miércoles, 4 de diciembre de 2013

0432 - Frank Zappa - 1991 - Make A Jazz Noise Here


(01) - Frank Zappa - Stinkfoot (7:40)
(02) - Frank Zappa - When Yuppies Go To Hell (14:36)
(03) - Frank Zappa - Fire And Chains (3:56)
(04) - Frank Zappa - Let's Make The Water Turn Black (1:36)
(05) - Frank Zappa - Harry, You're A Beast (0:47)
(06) - Frank Zappa - The Orange County Lumber Truck (0:41)
(07) - Frank Zappa - Oh No (4:43)
(08) - Frank Zappa - Theme From Lumpy Gravy (1:11)
(09) - Frank Zappa - Eat That Question (1:55)
(10) - Frank Zappa - Black Napkins (6:56) 


(01) - Frank Zappa - The Black Page (new age version) (6:46)
(02) - Frank Zappa - T'mershi Duweeen (1:42)
(03) - Frank Zappa - Dupree's Paradise (8:34)
(04) - Frank Zappa - City of Tiny Lights (8:01)
(05) - Frank Zappa - Royal March from L'historie du soldat'' (Stravinsky) (0:59)
(06) - Frank Zappa - Theme from the Bartok Piano Concerto #3 (0:43)
(07) - Frank Zappa - Sinister Footwear (2nd movement) (6:39)
(08) - Frank Zappa - Stevie's Spanking (4:25)
(09) - Frank Zappa - Alien Orifice (4:15)
(10) - Frank Zappa - Cruisin' for Burgers (8:28)
(11) - Frank Zappa - Advance Romance (7:43)
(12) - Frank Zappa - Strictly Genteel (6:36)




0431 - Los Huanca Hua - 1971 - La década de los Huanca Hua (Microfon)


martes, 3 de diciembre de 2013

0430 - Ten years After - 1969 - Ssssh !


1. Ten Years After - Bad Scene (3:30)
2. Ten Years After - Two Time Mama (2:02)
3. Ten Years After - Stoned Woman (3:20)
4. Ten Years After - Good Morning Little Schoolgirl (7:10)
5. Ten Years After - If You Should Love Me (5:24)
6. Ten Years After - I Don't Know That You Don't Know My Name (2:06)
7. Ten Years After - The Stomp (4:30)
8. Ten Years After - I Woke Up This Morning (5:32)


1967 - Ten Years After
1968 - Undead
1969 - Ssssh
1969 - Stonedhenge
1970 - Cricklewood Green
1970 - Watt
1971 - A Space In Time
1972 - Rock & Music To The World
1974 - Positive Vibrations
2018 - The Cap Ferrat Sessions


0429 - Rickie Lee Jones - 1984 - The Magazine

0428 - Rickie Lee Jones - 1979 - Rickie Lee Jones


Rickie Lee Jones pertenece a esa larga tradición de errantes irredimibles que forman una parte inseparable en la historia de la canción popular norteamericana, desde Woody Guthrie hasta Bob Dylan.
Y en el caso de Rickie, la veta errante viene también de familia: su abuelo paterno, Peg Leg Jones, había sido bailarín de vaudeville y la familia Jones conserva todavía amarillentos recortes de diarios de la época que lo muestran presentando su show por los mejores teatros de la Unión, Encontrándose viudo prematuramente y sujeto a los vaivenes de su carrera artística, Peg Leg registró a su único hijo -el futuro padre de Rickie Lee-en una serie de colegios pupilos hasta abandonarlo finalmente en un orfanato del sur.
La madre de Rickie, Betty Jane Jones, no tuvo una infancia más feliz, ya que creció en un hogar de niños de Chicago donde su madre debió dejarla al no poder mantenerla.
Quizás este background peculiar de sus padres hizo que Rickie Lee Jones no tuviese la infancia típica de una familia de clase media norteamericana, ya que los Jones debieron seguir los vaivenes ocupacionales de papá Richard a través de Chicago, Los Ángeles, Phoenix y Olympia, ciudad esta última donde la familia consiguió, a fuerza de sacrificio, cierta semblanza de estabilidad.
Según palabras de su madre, Rickie siempre fue un poco diferente a las demás chicas de su edad. “Recuerdo que de chica era silenciosa y retraída”, comenta mamá Jones. “Tenía pocas amigas y en la adolescencia se pasaba la mayor parte del tiempo en su cuarto, escribiendo poesía y tocando la guitarra que le había regalado su hermano Dave
“Siempre me gustó escaparme” confiesa Rickie. “La primera vez fue a los 14 años, allá por 1969. Había estado caminando con un amigo toda la noche, en Phoenix, donde vivíamos en ese entonces. De pronto, decidimos que queríamos irnos a alguna parte, ¡así de simple! Nos metimos en un auto ajeno y salimos como alma que lleva el diablo. Me acuerdo que era un cochazo enorme que hacía un ruido terrible... ¡Nos agarraron al día siguiente! ”
“Mi compañero de fuga fue también mi primer amor. Todo iba muy bien hasta que un buen día mi italianito me dijo que no me quería más. En fin... yo siempre sostengo que la gente nunca se recupera del todo de su primer enamoramiento. Por lo menos a mí me mató”.

Al año siguiente, Rickie emprendió una nueva aventura viajera, esta vez re­corriendo varias ciudades de la costa californiana. Mientras tanto, sus estu­dios iban de mal en peor. En doce me­ses pasó por tres escuelas y en la última le solicitaron amablemente" que se fuera, debido a su carácter rebelde.
Rickie: era demasiado impulsiva. En cierta forma, me echaron de la escuela por hacer lo mismo que ahora hago sobre el escenario: mostrar mis senti­mientos, mis emociones.
Lo cual es un modo de decir que el estilo de vida de Rickie Lee Jones se ha transformado en su característica como artista. Rickie llegó a Los Angeles en 1973, a la edad de 19 años, empleán­dose como camarera en una serie con­secutiva de bares y clubes de la Costa Oeste y viviendo lo que se dice con lo justo.
Fueron tiempos bravos, recuerda la Jones. Trabajaba en un restaurante ita­liano y vivía con un tipo que tocaba la guitarra. De pronto, mi Romeo me abandonó con el alquiler sin pagar y al día siguiente me despidieron...
No obstante, creo que fue para bien, porque el estar tan de últimas me hizo volcarme de lleno a mi pasión por la música.
Decidida a seguir su vocación, Rickie dormía cuando tenía suerte en el departamento de algún ocasional bene­factor durante el día, mientras que por la noche tocaba por la comida en ba­res y locales pequeños de California co­mo The Comeback Inn, A la Carte y The Iván Theatre. Buena parte de su set consistía en monólogos recitados en el peculiar lunfardo callejero de Los Angeles, entre los cuales Rickie introdu­cía sus canciones; sus primeras can­ciones...
De esta época 1976, 1977 datan temas como Easy Money (Dinero Fácil), The Last Chance Texaco (La Ul­tima Chance, Texaco) y el gran hit de su álbum debut, Chuck Es In Love (Chuck E. Está Enamorado).
Rickie confiesa tener un gran afecto por este último tema, ya que en el pe­ríodo en que lo compuso fue cuando conoció a dos de sus mejores amigos, el cantante Tom Waits y el protagonista' de la canción, Chuck E. Weiss.
Antes de conocerlos" confiesa Rickie, no tenía lo que se dice amigos. Es­taba sin plata y sin lugar donde vivir, al punto que solía dormir junto a la pileta de un motel... De pronto un día, cantando como invitada en el club Troubadour, me escuchó Chuck que traba­jaba en la cocina y Tom (Waits) que andaba por allí. De allí en más nos hici­mos amigos. Fue una linda experiencia conocer a Tom y a Chuck. Yo ya había aprendido a no depender de nadie, pues creo que cuando la gente empieza a afectar tu ritmo de vida comienzan los problemas. Pero la relación con ellos ha sido tan fluida que los considero como de mi familia, A -veces me parece que los tres somos como verdaderos soña­dores románticos que se quedaron atra­pados en una zona de tiempo equivoca­da. Así que nos apoyamos el uno en el otro y nos queremos mucho…
Incidentalmente, cabe destacar que Tom Waits es uno de los últimos repre­sentantes del cantante de blues/jazz ti­po honky tonk; su voz gastada y me­lancólica adaptándose perfectamente a los cuadros de personajes marginales e historias de suburbio que pueblan sus temas. No es casual, pues, dada la afini­dad filosófica entre Tom y Rickie, que mucha de esa melancolía blusera y ur­bana que rezuman los temas de Waits hayan encontrado su contrapartida fe­menina ideal en el material de la Jones.
Pero más de esto después, ahora a describir el gran salto Jones, de cantante desconocida a engrosar las huestes de la sello del conejo Bugs.
Según Rickie, su contrato con Warner llegó luego de que su ex manager Nick Mathe enviara a la grabadora una cinta de prueba con cuatro temas, Company (Compañía), Young Blood (Sangre Joven), The Last Chance Texaco y Money.
Warner se mostró interesada, pero el gran palancazo vino cuando Ivan Ulz otro buen amigo de Rickie, le cantó “Easy Money” en el teléfono (!) a Lo­well George  el recientemente fallecido cantante y guitarrista de Little Feat. Ge­orge, (29 de junio de 1979),un innato descubridor de talentos, visitó inmediatamente a Rickie para es­cuchar su propia versión y terminó incluyendo el tema en su LP solista “Thanks, I’ll Eat It Here”.
Intrigados por todo el revuelo, los pro­ductores de la Warner Ted Templeman y Lenny Waronker decidieron hacerle una prueba a Rickie. Lo demás ya es historia: la Jones se metió en los estu­dios de grabación con varios de los me­jores sesionistas de L.A. (Steve Gadd, Lenny Waronker, Andy Newmark, Jeffrey Porcaro y unos cuantos gatos más) y en abril de 1979 salió la placa, ti­tulada simplemente Rickie Lee Jones, la cual se fue derechito a los primeros puestos de los charts yanquis, seguida por una pequeña serie de presenta­ciones en salas selectas del país y una aparición en el programa “Saturday Night Live”, uno de los musicales de mayor audiencia en USA.
Bueno, pero ¿en qué consiste el pri­mer LP de la Jones? Nada más, ni nada menos que en una serie de pequeñas viñetas hechas canciones, en las que Rickie ha retratado poéticamente muchas de las imágenes que acumuló en sus años de vida errante.
En la dulce melancolía de On Saturday Afternoons In 1963 (Los Sábados A La Tarde En 1963), por ejemplo, Rickie recuerda reflejos de su niñez, acompañada solamente por unos com­pases de piano. Ese mismo tono emo­tivo que la Jones emplea para las ba­ladas, vuelve a repetirse con mayor fuerza en Last Chance Texaco, la histo­ria de un empleado crónico de esta­ciones de servicio, quien no puede du­rar en sus trabajos, destrozado emotiva­mente por la pérdida de su mujer.
Easy Money, un blues trasnochado tí­pico de algún sótano disfrazado de club, nos muestra otra cara de Rickie, con una voz suelta y sexy que nos cuenta la saga de un par de marginados buscan­do el “dinero fácil” que los saque de perdedores
Pero los que crean que la Jones le canta sólo a la depre no pueden estar más equivocados. Sus personajes tienen siempre un tinte romántico y hu­mano que los redime aún en los entor­nos más adversos, o como dice Rickie en Coolsville:
“La ciudad te hará parecer malvada pero eso es sólo un maquillaje; el amor te dejará la cara limpia por la noche...”
Rickie canta sus imágenes de ciudad con una voz incisiva y suave a la vez, que se desliza a través de las estrofas metiendo dosis libres de scat aquí y allá y eliminando palabras en el viejo estilo de los hipsters de la dorada bohe­mia beat.
Puede decirse, en efecto, que todo acerca de Rickie Lee Jones tiene un matiz personal. Para asegurarse de que no se olvidará de sus raíces por el su­ceso obtenido, la Jones ha dispuesto un medidor de estacionamiento al lado del escenario como parte de su show, a modo de símbolo de días no muy lejanos. Incluso las más comunes exteriorizaciones del público la divierten, como si no se hiciera a la idea de que es ella la que las provoca. Se la ha escuchado decir a una audiencia de pie para ovacionarla: “¡Oh, vamos, chicos siéntense! ¡No es para tanto!”.
Lo cierto es que Rickie Lee Jones tiene la materia prima necesaria como para transformarse en una de las grandes cantantes de los 80. El tiempo dirá si su inspiración fue sólo el efecto de la malaria pasada, y si su veta creadora puede sobrevivir a las presiones y exigencias típicas de quienes han llegado
Rickie no parece temer por sí misma Yo anduve por allá abajo, bien abajo y pude salir dice, así que ya no le temo a lo que pueda venir.


Alfredo Rosso.
Marzo de 1980
Rock Superstar Historia De La Música Pop #26
Ediciones De La Urraca

0427 - Gilbert O'Sullivan - 1994 - By Larry

 

0426 - Joan Baez - 1979 - The Joan Baez Country Music Album

01 - The Night They Drove Old Dixie Down (3:26)
02 - Brand New Tennessee Waltz (3:10)
03 - Outside The Nashville City Limits (3:25)
04 - Ghetto (4:37)
05 - My Home's Across The Blue Ridge Mountains (4:16)
06 - Rock Salt And Nails (3:52)
07 - Help Me Make It Thru The Night (3:02)
08 - Long Black Veil (3:24)
09 - I Still Miss Someone (3:13)
10 - San Francisco Mable Joy (4:27)
11 - Take Me Back To The Sweet Sunny South (2:46)
12 - Hickory Wind (3:37)
13 - Wil The Circle Be Unbroken (4:20)
14 - Tramp On The Street (3:29)
15 - Carry It On (2:21)
16 - Gospel Ship (2:50)
17 - Little Moses (3:30)
18 - Banks Of The Ohio (3:09)
19 - Engine 143 (3:31)
20 - Pal Of Mine (2:47)

0425 - The Lester Young and Teddy Wilson Quartet - 1956 - Pres and Teddy


01 - All Of Me (5:11)
02 - Prisoner Of Love (7:40)
03 - Louise (5:18)
04 - Love Me Or Leave Me (6:50)
05 - Taking A Chance On Love (5:10)
06 - Our Love Is Here To Stay (6:30)
07 - Pres Returns (6:19)



En Nueva York, el 13 de enero de 1956, Lester Young grabó los siete temas que componen este CD, en compañía del pianista Teddy Wilson, con Gene Ramey y el glorioso batería basiano Jo Jones. Ya entonces resultaba difícil situar el arte del saxofonista, pues era tal la exigüidad de su sonido que había adquirido cualidades casi inmateriales. En 1957 grabó por última  vez con la orquesta de Count Basie, que había abandonado en 1940, según dijo por no grabar un viernes 13.

De ese reencuentro da testimonio un disco excelente.
Las últimas apariciones del "Presidente" en una grabación datan del 11 de marzo de 1959, ocho días antes de Su muerte. Aún entonces, con la salud deteriorada y sus facultades mermadas, demuestra una sensibilidad indefinible. Había dado lo mejor de sí mismo durante la segunda mitad de los años treinta en la orquesta de Count Basie y en los combos de Teddy Wilson, donde Conoció a su alma gemela, la cantante Billie Holiday.

El reencuentro con Wilson fue, de alguna manera, un reencuentro con Billie sin la presencia de ella. Saxofonista y cantante estaban distanciados desde hacía mucho tiempo. La comunión sensible que logran Teddy Wilson y Lester Young en estas sesiones dan la idea de un recorrido paralelo aunque no convergente durante todos los años en que no tocaron juntos. Teddy Wilson, pianista exquisito y refinado, fue uno de los fundamentos del swing de los años treinta, pero su  estilo no generó evoluciones posteriores de no mediar dos discípulos suyos, Clyde Hart y Nat King Cole, que están en la base del estilo de Bud Powell, el renovador del piano jazzístico. Su función, como todo rol fijo, es la de preservar el swing, la frescura, la movilidad y la flexibilidad en el arte de tocar el piano en jazz; Wilson era un clásico moderno y hoy es un clásico ineludible.

Lester Young, por el contrario, no fue punto de referencia de nadie durante aquellos años, es más, tuvo trabajo porque tanto Wilson como Billie Holiday o Count Basie apreciaban su arte. Hasta la llegada del estilo que derivó del be bop, enfriándolo y tomando distancias de él, no tuvo seguidores directos; desde entonces ha sido una referencia ineludible para una multitud de instrumentistas, no sólo saxofonistas. De él está todo dicho: es uno de los artistas más importantes e influyentes que ha tenido el jazz. Centrarse sobre Wilson, por el contrario, constituye un problema; es en su propia "normalidad" donde residen las dificultades.  Pero su normalidad es sólo aparente porque Wilson es un artista y como tal un inventor de espacios nuevos.

Varias definiciones de su arte deberían sumarse para construir una idea que lo defina. André Francis: "Su toque incisivo y delicado es uno de los más musicales y exquisitos de toda la historia del jazz. Solamente con sus cualidades sonoras podría reanimar la melodía más trivial, pero Teddy Wilson, instrumentista de gran clase, maestro de la armonía, no se conforma con esto y encuentra una nueva dimensión para las canciones de su repertorio."Joachim E. Berndt:" En el campo del verdadero estilo swing de los años treinta fue sobre todo Teddy Wilson quien representó la línea de Earl Hines. El fundió el talento de los grandes solistas negros del período con la elegancia y la amabilidad que la música de Benny Goodman aportó al jazz de la época." Marcello Piras: "Para Teddy Wilson el piano es un dominio personal, incluso íntimo. Pero Wilson no es un gran solitario moralista como Tatum. Es un hombre más diplomático y está dispuesto a ser poco comprendido o reducido en su importancia, con tal de no dejar que su margen de libertad y fantasía se reduzca.

Es un burgués relativamente culto, para quien la verdadera libertad es la de pensamiento. Y la considera una cuestión privada porque en lo privado se refugia ante la hostilidad social. Tal vez lo haga para encontrar lugar para una reflexión tranquila y noble, a veces velada.
Tan velada como la atmósfera que se respira en sus mejores grabaciones." Pres y Teddy, por diferentes motivos y de muy diferentes modos, Son dos personajes centrales en la historia del jazz.
Carlos Sampayo
(Nota del CD)

0424 - Oscar Matus y Rodolfo Mederos - 1967 - Matuseando

FOLKLORE o MUSICA ARGENTINA
Nuestro color- ritmo-vida yo no es el de nuestros abuelos. Por eso decimos música argentina y no folklórico, tradicional o campesina.
Porque lo tradicional necesito tiempo-añejamiento. Por eso lo nuestro no es tradicional. Porque lo folklórico precisa anonimato y nosotros firmamos. En sus raíces, estas formas rítmicas fueron concebidas por el campesinado; pera, en lo última década, los autores y compositores crearon nuevos matices que impactaron en el centro emocional del hombre ciudadano, haciéndole sentir que el país no es un conglomerado de regiones inconexos. Es uno unidad que nos concierne a todos, uno realidad que debemos asumir. A partir de este fenómeno social, el hombre del asfalto abre las ventanos de su departamento y retorna a la tierra, al misterio de su origen. A consecuencia de este reencuentro se perfiló una generación de creadores, que aportó un nuevo lenguaje literario y musical. "Matuseando" aprendió a hablar en ese idioma y configuro una síntesis de las posibilidades expresivas de nuestro arte popular y también de las corrientes de avanzada del mundo.

Como tememos que se puedo pensar que por haber asimilado la experiencia hecha por músicos de otros países "Matuseondo" podría dejar de ser argentino, es que recordamos que nuestra cultura toda proviene del aporte de los últimos resabios indo americanos, los conquistadores y los inmigrantes del mundo asimilados o nuestro suelo. ¿Por qué MATUSEANDO? Este nombre es el resultado de la decisión de RODOLFO MEDEROS y OSCAR MATUS, de unirse, uno aportando su obra integra, para la posterior elección de quien luego se encargará de armonizar y dar forma definitiva al objetivo del que yo habláramos: demostrar las innumerables posibilidades de recreación de nuestra música. Por eso y porque o pesar de que los protagonistas sientan deseos de titular a esto "ARGENTINA SIGLO XX", o "ESTA ES ARGENTINA HOY Y AQUI ", desechan estas afirmaciones que hubieran involucrado la responsabilidad de toda nuestra generación y firman para que esa responsabilidad sea únicamente de ellos, frente o  su tiempo y a la posteridad.
PRODUCCIONES MATUS
(TEXTO DE LA CONTRACARATULA)
01.- Lado A 01 Nocturna (2:49)
02.- Lado A 02 Juan Labrador (3:30)
03.- Lado A 03 Compadre Ramos (3:04)
04.- Lado A 04 Zamba Del Lino (3:58)
05.- Lado A 05 Chaya De Piedra Y Viento (2:43)
06.- Lado B 01 El Viento Duende (3:04)
07.- Lado B 02 Cuando No Lloren Los Sauces (3:17)
08.- Lado B 03 Tonada Del Agua Clara (3:23)
09.- Lado B 04 Selva Sola (2:45)
10.- Lado B 05 Conmigo (3:26)

FICHA TECNICA DEL ALBUM:
Jorge Leo Cutello - Flauta
Ruben Osvaldo Ruiz - Guitarra Eléctrica
Walter Ruiz - Contrabajo
Carlos Vallejos - Guitarra
Jorge Lisandro - Guitarra Criolla
Jorge Beren - Voz
Celia Birenbaum - Voz
Domingo Cura - Percusion
Oscar Matus - Voz
Rodolfo Mederos - Bandoneón, Armonizacion y Direccion Musical

0423 - Rostal & Schaefer - 1979 - The Beatles Concerto

Peter Rostal, del dúo de pianos Rostal & Schaefer, escribe:
"La idea de crear un Concierto para dos pianos y una orquesta de los Beatles se me ocurrió durante una noche de insomnio a principios de 1977. Esto se debió en parte a que me encantaba la música de los Beatles, y junto con mi compañero de piano, Paul Schaefer, a menudo incluimos arreglos propios de sus canciones en nuestros recitales de dos pianos de todos modos. Sin embargo, también me pareció que varias de las melodías no eran simplemente bellas melodías, sino que varias (por ejemplo, Eleanor Rigby, Can not Buy Me Love , etc.) incorporaban motivos que tenía el potencial de desarrollarse dentro de la estructura de un concierto clásico a gran escala. También parecía natural que ciertas canciones, como The Long and Winding Road y Something, podría sonar maravilloso en el estilo de gran concierto romántico de Rachmaninov o Tchaikovsky.
Cuando me desperté, llamé por teléfono a Paul con la idea, y él estaba igualmente entusiasmado. El colaborador obvio tenía que ser John Rutter. Amamos y admiramos su música, él y Paul habían crecido juntos como alumnos en Highgate School en el norte de Londres, y John ya había escrito muchas orquestaciones maravillosas para nosotros de todos modos. Afortunadamente, John estaba dispuesto a aceptar el desafío y, en mi opinión, creó un trabajo brillante. También participó en la diversión, por ejemplo, al hacer astutas referencias a otros conciertos populares, por ejemplo, los conciertos Grieg y Chopin E menores en la transición de Aquí, allá y en todas partes a algo , en el movimiento lento.
Dimos la primera actuación en junio de 1977, como parte del Festival Internacional de Música Ligera de la BBC, en el Royal Festival Hall con la BBC Radio Orchestra, dirigida por Robert Farnon. Posteriormente, lo realizamos en salas de conciertos en todo el mundo, así como en lugares inusuales, desde el Domain Park en Sydney, Australia, con la Sydney Symphony Orchestra dirigida por John Lanchbery hasta el Hong Kong Coliseum con la Filarmónica de Hong Kong.
En 1979, lo grabamos para la etiqueta original de los Beatles, EMI Parlophone, en la Filarmónica de Liverpool con la Real Orquesta Filarmónica de Liverpool dirigida por Ron Goodwin y producida por el productor de los Beatles, George Martin. Lanzamos esa grabación con otra presentación en el Royal Festival Hall con la London Symphony Orchestra dirigida por Ron Goodwin. Posteriormente, volvimos a grabarlo para Universal en 2003, con la Orquesta Filarmónica Real dirigida por John Rutter ".
John Rutter escribió:
The Beatles Concerto (1977) todavía me hace sonreír. Mis viejos amigos Peter Rostal y Paul Schaefer me ofrecieron lo que debe ser el desafío más improbable de mi carrera como compositor cuando me preguntaron si podía crear un gran concierto romántico para dos pianos y orquesta de canciones de los Beatles. Como fanático de los Beatles, acepté el desafío, pero utilicé con gratitud tres arreglos de dos pianos de Peter y Paul: estos aparecen en el primer movimiento, donde el piano se divide en las secciones basadas en Eleanor Rigby, Ayer y Hey Judeson de ellos, no míos. Después de eso, partí por mi cuenta y disfruté muchísimo construyendo cascadas de cromática, brazadas de arpegios y diluvios de doble octava, todo desvergonzadamente saqueado de los grandes maestros. La mejor parte de todo fue que no tuve que tocarlo: es una tarea increíble que felizmente dejé a Peter y Paul, que nunca se han quejado. Pero no olvidemos que hay una ternura subyacente en tantas canciones de los Beatles; esto pasa a primer plano en el segundo movimiento, que se basa en uno de los más bellos de ellos, aquí, allá y en todas partes ".




George Martin proporcionó las notas de líneas en la parte posterior de la cubierta del LP: "La llegada de los Beatles en 1962 anunció una combinación de creatividad sin precedentes en la música popular inglesa, abarcando a los mejores talentos mucho más amplios que su propio grupo. Su éxito rompió todo tipo de barreras, y cuando el asombrado establecimiento logró escuchar la música a través del "ruido", se dio cuenta de que se estaba creando una música genuinamente original de belleza duradera.
Ahora, diecisiete años más tarde, tenemos el feliz montaje del talento de los brillantes dúo-pianistas Peter Rostal y Paul Schaefer, la excelente escritura de John Rutter y la Real Orquesta Filarmónica de Liverpool bajo la soberbia dirección de mi viejo amigo Ron Goodwin .
Ron, (a quien me apresuro a agregar, ¡es un mes más joven que yo!) Fue mi primer fichaje como productor de discos hace unos años, y su musicalidad ha sido tan firme como su amistad.
Cualquiera que admire que le gusten los grandes conciertos para piano de Grieg, Rachmaninov o Tchaikovsky no puede dejar de disfrutar del Concierto The Beatles, no solo una mezcla de canciones de Lennon, McCartney o Harrison, sino una verdadera composición en forma clásica.
Y el arte y la mezcla en los arreglos de las impresiones de los Beatles tanto de John Rutter como de Ron Goodwin son alegres de escuchar.
¡No está tan lejos de la Caverna de la Filarmónica! "

0422 - Interpretes Varios - 1996 - Twang! A Tribute to Hank Marvin & the Shadows


01. Ritchie Blackmore - Apache (3:08)
02. Brian May - FBI (3:16)
03. Tony Iommi - Wonderful Land (4:43)
04. Steve Stevens - The Savage (5:05)
05. Hank Marvin - The Rise & Fall Of Flingel Bunt (4:16)
06. Peter Green & Splinter Group - Midnight (2:43)
07. Neil Young & Randy Bachman - Spring Is Nearly Here (4:31)
08. Mark Knopfler - Atlantis (3:10)
09. Peter Frampton - The Frightened City (4:06)
10. Keith Urban - Dance On (2:56)
11. Andy Summers - Stingray (3:48)
12. Bela Fleck & The Flecktones - The Stranger (3:49)


0421 - Fleetwood Mac - 1969 - Then Play On


Formación completa de (la Peter Greenbaum...) Fleetwood Mac 1969.
Danny Kirwan (guitar), Mike Fleetwood (sentado/drums), Peter Green (en el centro / lider guitar), John Mc Vie (bass guitar), Jeremey Spencer (guitar/bootleneck)


01. Fleetwood Mac - Coming Your Way (3:47)
02. Fleetwood Mac - Closing My Eyes (4:55)
03. Fleetwood Mac - Show-Biz Blues (3:54)
04. Fleetwood Mac - My Dream (3:33)
05. Fleetwood Mac - Underway (2:54)
06. Fleetwood Mac - Oh Well (9:02)
07. Fleetwood Mac - Although The Sun Is Shining (2:25)
08. Fleetwood Mac - Rattlesnake Shake (3:30)
09. Fleetwood Mac - Searching For Madge (6:58)
10. Fleetwood Mac - Fighting For Madge (2:48)
11. Fleetwood Mac - When You Say (4:31)
12. Fleetwood Mac - Like Crying (2:24)
13. Fleetwood Mac - Before The Beginning (3:26)

Extraido de ROCK SUPER STAR, Numero 12, Octubre de 1978, Ediciones de la Urraca



lunes, 2 de diciembre de 2013

0420 - Lidia Borda - 1996 - Entre Sueños



01. Arrabalero
02. De Mi Barrio
03. Apologia Tanguera
04. Entre Sueños
05. Hembra
06. Las Vueltas De La Vida
07. Fanfarrón
08. Me Enamoré Una Vez
09. Corbadia
10. La Rodada
11. Ventanita Florida
12. Las Doce De La Noche
13. Mocosita
14. Milonga Sentimental
15. Maula
16. Margaritas





0419 - Lynyrd Skynyrd - 2000 - Skynyrd's Innyrds Their Greatest Hits


01. Sweet Home Alabama
02. Swamp Music
03. I Ain't the One
04. Gimme Three Steps
05. Double Trouble (outtake version)
06. Free Bird (outtake version)
07. Truck Drivin' Man
08. Saturday Night Special
09. Workin' for MCA
10. What's Your Name
11. That Smell
12. Don't Ask Me No Questions
13. Call Me the Breeze

0418 - Israel Kamakawiwoʻole - 2011 - Somewhere Over The Rainbow




01 - Israel kamakawiwo´ole - Over the rainbow (3:32)
02 - Israel kamakawiwo´ole - Hawai'i '78 (5:16)
03 - Israel kamakawiwo´ole - White sandy beach of hawai'i (2:37)
04 - Israel kamakawiwo´ole - Wind beneath my wings / he hawai'i au (4:38)
05 - Israel kamakawiwo´ole - Kaulana kawaihae (4:01)
06 - Israel kamakawiwo´ole - 'ulili e (2:50)
07 - Israel kamakawiwo´ole - Hele on to kaua'i (2:26)
08 - Israel kamakawiwo´ole - Ka pua u'i (2:55)
09 - Israel kamakawiwo´ole - Hi'ilawe (4:44)
10 - Israel kamakawiwo´ole - La 'elima (3:39)
11 - Israel kamakawiwo´ole - 'opae e (4:09)
12 - Israel kamakawiwo´ole - In this life (4:11)
13 - Israel kamakawiwo´ole - What a wonderful world (4:30)

0417 - Larry Coryell & Alphonse Mouzon - 1977 - Back Together Again


01 - Coryell; Mouzon - Beneath The Earth (3:03)
02 - Coryell; Mouzon - The Phonse (3:48)
03 - Coryell; Mouzon - Transvested Express (3:51)
04 - Coryell; Mouzon - Crystallization (3:19)
05 - Coryell; Mouzon - Rock N' Roll Lovers (4:04)
06 - Coryell; Mouzon - Get On Up (We Gonna Boogie) (2:50)
07 - Coryell; Mouzon - Reconciliation (2:34)
08 - Coryell; Mouzon - Back Together Again (3:05)
09 - Coryell; Mouzon - Mr. C (3:28)
10 - Coryell; Mouzon - High Love (5:52)

0416 - JAF - 1991 - Salida de Emergencia



01 - JAF - Salida de Emergencia (6:03)
02 - JAF - Rio Salvaje (2:10)
03 - JAF - Todo Mi Amor (4:56)
04 - JAF - El Pordiosero (5:01)
05 - JAF - El Doctor (5:05)
06 - JAF - Mis Zapatos de Blues (3:56)
07 - JAF - Cabalgando (2:54)
08 - JAF - Nena, Regresa a Mi (3:44)
09 - JAF - La Cuarta Tempestad (5:21)


0415 - Luis Alberto Spinetta - 2015 - Spinetta Los Amigo


001 - Luis Alberto Spinetta - Apenas Floto (3:26)
002 - Luis Alberto Spinetta - Iris (4:25)
003 - Luis Alberto Spinetta - El Cabecitero (4:03)
004 - Luis Alberto Spinetta - Bagualerita (3:40)
005 - Luis Alberto Spinetta - El Gaitero (4:39)
006 - Luis Alberto Spinetta - Canción Del Lugar (6:04)
007 - Luis Alberto Spinetta - Iris (Versión Acústica) (8:00)

0414 - John Mayall & The Bluesbreakers - A Hard Road – Expanded Edition (2003)

John Mayall (vocals, guitar, harmonica, piano, organ)
Peter Green (vocals, guitar, harmonica)
John McVie (bass)
Mick Fleetwood & Aynsley Dunbar (drums)


CD 1

01. A Hard Road 
02. It’s Over 
03. You Don’t Love Me 
04. The Stumble 
05. Another Kinda Love 
06. Hit The Highway
07. Leaping Christine 
08. Dust My Blues 
09. There’s Always Work 
10. The Same Way 
11. The Super-Natural 
12. Top Of The Hill 
13. Someday After A While (You’ll Be Sorry) 
14. Living Alone
15. Evil Woman Blues  (Bonus Tracks)
16. All Of My Life  (Bonus Tracks)
17. Ridin’ On The L&N  (Bonus Tracks)
18. Little By Little  (Bonus Tracks)
19. Eagle Eye  (Bonus Tracks)

CD 2

01. Looking Back 
02. So Many Roads
03. Sitting In The Rain 
04. Out Of Reach 
05. Mama, Talk To Your Daughter 
06. Alabama Blues 
07. Curly 
08. Rubber Duck 
09. Greeny 
10. Missing You 
11. Please Don’t Tell
12. Your Funeral And My Trial 
13. Double Trouble 
14. It Hurts Me Too 
15. Jenny 
16. Picture On The Wall 
17. First Time Alone 

https://mega.nz/file/sIZTAAhK#R7O0etSPf8OTWZV4lpc61WAupYj-YvVxJgwFIQwxjsM