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martes, 21 de julio de 2026
lunes, 20 de julio de 2026
3107 - The Rolling Stones - 2007 - Rolled Gold Plus
ROLLING STONES - ROLLED GOLD +
Rolled Gold es el álbum que presentó a toda una nueva generación de músicos a la Mejor Banda de Rock and Roll del Mundo a mediados de los años setenta.
The Smiths, Primal Scream, The Stone Roses, The Manic Street Preachers, The Charlatans, The Verve y Oasis copiaron más de unos cuantos riffs y movimientos arrogantes antes de transmitir el legado de Mick Jagger y Keith Richards a las generaciones del Britpop, el indie y el iPod.
Publicado por primera vez en noviembre de 1975, Rolled Gold – The Very Best of the Rolling Stones, para darle al álbum su título completo, recibió una entusiasta crítica del respetado Mick Farren, quien acertadamente llamó al álbum doble en vinilo «sin duda la colección definitiva de los Stones... de los años 60» en las páginas del New Musical Express.
Rolled Gold entró en las listas británicas de álbumes en el número 7 y permaneció casi un año entre los más vendidos, una estadística que en el Reino Unido sólo fue superada por el debut homónimo del grupo, publicado en abril de 1964. A pesar de no haber estado disponible durante 25 años, Rolled Gold es el álbum de los Rolling Stones que permaneció durante más tiempo en las lista alcanzando una enorme permanencia de 50 semanas en las listas británicas de álbumes.
Generosamente ampliado para su primera edición en una lujosa caja doble Jakebox desplegable, doble CD en caja super jewel case, álbum para descarga con cuadernillo interactivo, cuatro discos de vinilo de 12 pulgadas y tarjeta de memoria USB, Rolled Gold + incorpora ahora 12 temas adicionales, principalmente “Brown Sugar” y “Wild Horses”, procedentes de Sticky Fingers, el clásico álbum de 1971 de la banda y el primero publicado en su propio sello, Rolling Stones Records.
Esto convierte a Rolled Gold+, sin lugar a dudas, en el plano más completo del rock'n'roll.
Es justo, por lo tanto, que Rolled Gold sea actualizado y ampliado, ya que originalmente había sido concebido como una caja de 3 LP titulada The History Of The Rolling Stones.
Se realizaron copias de prueba y ahora cambian de manos por más de 1000 libras esterlinas en eBay, una prueba de la perdurable popularidad y capacidad de colección del grupo, 45 años después de su aparición.
Los Rolling Stones han dominado el panorama cultural durante más de cuatro décadas y media, han generado más centímetros de columnas periodísticas y ocupan un lugar más importante en la conciencia del público que cualquiera de sus contemporáneos de los años sesenta.
Fueron producto de su época y también de su época, proporcionando además una banda sonora siempre cambiante que a menudo se anticipaba y coincidía constantemente con los cambios de ánimo de la década.
Rolled Gold + es un testimonio de lo sintonizados que estuvieron los Stones con los tiempos durante los años sesenta y hasta los setenta. Y de la influencia que han ejercido desde entonces y continúan ejerciendo.
Imaginemos un mundo sin los Rolling Stones, y Alice Cooper, Aerosmith, The Flamin’ Groovies, The New York Dolls, Patti Smith, AC/DC, Guns N’ Roses y The Black Crowes desaparecerían de nuestra vista.
Mick Jagger sigue siendo el líder de banda más icónico de la era del rock; Keith Richards, su guitarrista más imitado, un modelo seguido imprudentemente por cada generación, desde Hanoi Rocks hasta Pete Doherty pasando por Kurt Cobain, como si el trágico destino de Brian Jones, el chico malo original, víctima del rock y cofundador de los Stones, no hubiera sido suficiente advertencia.
Además de tocar la guitarra y la armónica, Jones tenía una afición por incorporar instrumentos inusuales que enriquecieron enormemente las grabaciones de la banda durante la segunda mitad de los años sesenta.
El baterista de rostro impasible Charlie Watts y el bajista que llevaba un diario, Bill Wyman, eran los hombres proto-reservados, observando el caos que los rodeaba mientras aparecían mucho menos en los titulares, pero proporcionando el ritmo más firme y los cimientos más sólidos.
No debería haber funcionado, pero funcionó.
Originalmente, los Rollin’ Stones —así escribían su nombre al principio— se reunieron de manera bastante informal en 1962 y tocaron durante los intervalos de las actuaciones de Blues Incorporated, el grupo liderado por Alexis Korner, el músico que fue mentor de la escena británica de rhythm and blues de comienzos y mediados de los sesenta en lugares como el Marquee Club del Soho londinense.
Jagger, Richards, Jones, Watts y Wyman comenzaron también como puristas del blues, tomando su nombre de una canción de Muddy Waters y reinterpretando material de músicos de Chicago como Jimmy Reed, Bo Diddley y Chuck Berry, pero también inyectando a la música de la América de los guetos una dosis de energía juvenil.
Las actuaciones regulares en el Crawdaddy y en Eel Pie Island, en Richmond, durante la primavera de 1963, hicieron que llamaran la atención de Andrew Loog Oldham, quien se convirtió en su mánager y consiguió para ellos un contrato con Decca Records, el sello que el año anterior había rechazado a The Beatles y que ahora intentaba compensarlo.
Editado en junio de 1963, su primer single fue una versión enérgica, de estilo garage, de “Come On”, una canción de Chuck Berry que ningún otro grupo británico había pensado en grabar.
Sus apariciones en influyentes programas de televisión, Thank Your Lucky Stars y Ready Steady Go!, ayudaron a que su primer 45 rpm alcanzara el puesto número 21 en las listas británicas.
Pero, a pesar de los primeros intentos de Jagger y Richards de escribir canciones, estaban atascados buscando un siguiente single hasta que un encuentro casual con John Lennon y Paul McCartney llevó a The Beatles a terminar “I Wanna Be Your Man” prácticamente en el acto, durante una prueba de sonido de los Stones, antes de entregársela.
Con la característica guitarra slide de Jones y la voz burlona de Jagger, el rápido y furioso single, publicado en noviembre de 1963, llegó al número 12 y apareció en la primera edición del programa de la BBC Top Of The Pops, confirmando su condición de los nuevos creadores de éxitos de Inglaterra, como serían presentados en su primer álbum estadounidense.
De hecho, a comienzos de 1964 habían pasado de ser teloneros de los pioneros del rock'n'roll The Everly Brothers y Little Richard a encabezar los carteles ante multitudes de adolescentes histéricas por toda Gran Bretaña.
Su cabello era más largo que el de prácticamente cualquier otra persona, lo que llevó al Daily Mirror a afirmar en un artículo: «uno de ellos parece tener un plumero sobre la cabeza».
¿A qué integrante podría haberse referido el periodista?
Después de haber realizado una gira con Bo Diddley y haberlo acompañado en una sesión de radio de la BBC, parecía lógico utilizar su característico estilo percusivo en una contagiosa versión de “Buddy Holly’s...”, “Carol”, de Chuck Berry, así como en la vulnerable balada pop “Tell Me”, su primer éxito que llegó al Top 30 estadounidense y la primera composición de Jagger-Richards grabada por la banda.
Fue publicado al mes siguiente. Los pedidos anticipados superaron ampliamente las 100.000 copias y entró en las listas directamente en el número uno, desplazando a With The Beatles del primer puesto.
Mientras los Fab Four explotaban la imagen de simpáticos chicos de al lado y vestían trajes para sus actuaciones y apariciones televisivas, los Stones se convirtieron en sus equivalentes chicos malos.
Se negaban a vestir trajes y corbatas, eran considerados en general una terrible influencia sobre la juventud del país y provocaban caos allá donde iban.
El rápido y hábil para los medios Andrew Loog Oldham no perdió tiempo en aprovechar toda aquella reacción contra los chicos malos, acuñando la frase: «¿Dejaría usted que su hija saliera con un Rolling Stone?»
La frase apareció a todo volumen en numerosos medios de comunicación.
Los Stones se convirtieron en la primera banda británica que grababa regularmente en Estados Unidos, a menudo mientras estaba de gira, pero esto otorgó a su música una autenticidad y una urgencia que ningún otro grupo de aquella época, ni posterior, pudo igualar.
Su apropiadamente descarada versión de “Little Red Rooster”, de Willie Dixon, grabada nuevamente en Chicago en presencia de su autor, señaló el final de su aprendizaje y de sus días como supremos intérpretes del material de otras personas.
Convirtieron la composición de Jerry Ragovoy, “Time Is On My Side”, en un impactante espectáculo soul y superaron la versión de Irma Thomas.
Pero, después de introducir el blues y ampliar los horizontes de toda una nueva generación de amantes de la música a ambos lados del Atlántico, los Stones realmente comenzaron a forjar su propio sonido y a crear el modelo de la música rock.
HISTORIA DE LOS ROLLING STONES
El primer single de composición propia de la banda, “The Last Time”, construido alrededor de un riff insistente, pudo haber tomado elementos del gospel, pero también anunció la llegada de una forma más dura de rock.
Su lado B, “Play With Fire”, con sus letras incisivas, proporcionaba un contraste adecuadamente sombrío.
El siguiente lanzamiento, “(I Can’t Get No) Satisfaction”, tenía una actitud todavía más desafiante y, con su guitarra fuzzbox y sus letras revolucionarias que expresaban frustraciones de todo tipo, capturó como ninguna otra canción el espíritu de los años sesenta.
Un momento decisivo de la cultura popular, el single encabezó las listas de todo el mundo durante el verano de 1965 y se convirtió en la canción característica de los Stones.
La ironía es que Jagger y Richards no querían que “Satisfaction” fuera un single, pero fueron derrotados por los demás integrantes y por el sexto Stone, el pianista Ian Stewart.
Desde entonces ha sido versionada por artistas que van desde Otis Redding hasta Devo, y sigue siendo, posiblemente, el mejor single surgido de los años sesenta.
Por otra parte, “Get Off Of My Cloud”, el siguiente número uno a ambos lados del Atlántico, impulsado por la dinámica batería de Charlie Watts, también levantó dos dedos contra los críticos que no podían ver más allá de la imagen rebelde del grupo y no comprendían la importancia que habían adquirido para los jóvenes de todo el mundo.
“I’m Free”, el lado B del single en Estados Unidos, bien podría haber sido un manifiesto de la generación de los sesenta.
En aquellos días más libres, la sociedad Jagger-Richards también podía proporcionar a su amigo Chris Farlowe un single que llegó a ser número uno en el Reino Unido.
JUMPIN’ JACK FLASH
POR MICK JAGGER Y KEITH RICHARDS
«¿Qué puede hacer un pobre muchacho salvo cantar en una banda de rock'n'roll?»
La actitud ambivalente de la canción hacia los acontecimientos de actualidad —no era tanto un grito de protesta como un comentario sobre los tiempos que corrían— todavía resultó suficientemente subversiva como para que muchos programadores de radio estadounidenses prohibieran el single o pusieran en su lugar su lado B, “No Expectations”, un tema de country-blues con Brian Jones tocando la guitarra slide.
“Sympathy For The Devil”, la canción que abre Beggars Banquet, se ha convertido en un elemento habitual de la cultura popular; su siniestra samba era un presagio de los acontecimientos que vendrían.
Originalmente titulada “The Devil Is My Name”, su grabación fue documentada por el cineasta francés Jean-Luc Godard, cuyo oportuno documental One Plus One, filmado como una especie de observación directa, capturó perfectamente la evolución del hipnótico ritmo y la interpretación vocal de Jagger, semejante a la de un chamán.
Otros grupos llevarían el culto al diablo hacia un callejón sin salida de historieta, pero los Stones escribieron el mantra que conjuró las fuerzas oscuras y señaló el principio del fin del sueño de los años sesenta.
La banda ya se había separado de Andrew Loog Oldham, su mentor y figura clave de los primeros años, y ahora había llegado a un punto muerto con Brian Jones, quien contribuía cada vez menos y finalmente abandonó el grupo en junio de 1969.
Después de ser encontrado muerto en la piscina de su casa de Hartfield, Sussex, el 2 de julio de 1969, los Stones transformaron su concierto gratuito ante 250.000 personas en Hyde Park, Londres, tres días después, en un homenaje a su ídolo caído.
Ese día también presentaron al nuevo guitarrista Mick Taylor y ofrecieron la primera interpretación en directo de “Honky Tonk Women”, otro gran éxito a ambos lados del Atlántico, impulsado por su contagiosa campana de vaca.
En el otoño de 1969, los Stones realizaron una gira por Estados Unidos por primera vez en tres años, inventando prácticamente el rock de estadios con su sistema de sonido especialmente construido.
Triunfaron en el Madison Square Garden de Nueva York y grabaron uno de los mejores álbumes en directo de todos los tiempos, Get Yer Ya-Ya’s Out!
Sin embargo, cuando un joven admirador murió a manos de los Hell’s Angels durante el concierto gratuito que ofrecieron en el Altamont Speedway, en California, parecieron impotentes para detener el propio Heart of Darkness del rock.
Publicado a finales de 1969, el fundamental Let It Bleed capturó perfectamente el ambiente cada vez más oscuro de la época, no sólo en la canción que da título al álbum, sino también en la agresiva y desagradable “Midnight Rambler”, la inquietante y casi apocalíptica “Gimme Shelter” y la melancólica y elegíaca “You Can’t Always Get What You Want”.
Las cuatro canciones del álbum siguen siendo el núcleo del repertorio de la banda y un punto de referencia para otras formas creativas, gracias a su reiterada inclusión en películas y bandas sonoras de televisión, así como a sus referencias en novelas, cómics y, inevitablemente, The Simpsons.
Con la disolución de The Beatles al año siguiente, los Stones asumieron el manto de la Mejor Banda de Rock’n’Roll del Mundo y se convirtieron en ciudadanos itinerantes del mundo.
Ahora tenían su propio sello, Rolling Stones Records, y continuaron con su creatividad mediante Sticky Fingers, que encabezó las listas a ambos lados del Atlántico en 1971.
Su single más inmediato, sexualmente cargado y políticamente incorrecto, “Brown Sugar”, fue un éxito instantáneo en las máquinas de discos y ahora forma parte del ADN de la cultura rock.
Mientras tanto, “Wild Horses” influyó profundamente en la escena del country-rock de los años setenta y en el género Americana de nuestros días.
Los siguientes 36 años —completados con proyectos cinematográficos y documentales, arrestos por drogas, problemas de salud, algún álbum en solitario, la llegada de Ronnie Wood en lugar de Taylor en 1975 y la partida de Bill Wyman en 1993— se extendían por delante de ellos...
Los Stones abrazaron plenamente el verano del amor con la soñadora “She’s A Rainbow” y la inquietante “2000 Light Years From Home”, de Their Satanic Majesties Request, pero pasaron la mayor parte de 1968 y la primera mitad de 1969 trabajando en una serie de singles y en los dos álbumes que definirían la música rock tal como la conocemos hoy: Beggars Banquet y Let It Bleed.
El primer fruto de aquellas sesiones fue el desafiante “Jumpin’ Jack Flash”, número uno en Gran Bretaña y una declaración de intenciones que, después de todas sus pruebas y tribulaciones, demostraba que los Stones no estaban simplemente regresando a sus raíces como banda de rhythm and blues, sino que en realidad estaban inventando un nuevo estilo de rock ultradinámico, impulsado por riffs.
Si acaso, “Street Fighting Man”, con su introducción de guitarra acústica entrecortada, lo mejoró todavía más y sigue siendo, para quien escribe, el tema definitivo de los Stones.
Fundamentalmente, el habitualmente apolítico Jagger comentó los disturbios que estaban ocurriendo en París y las manifestaciones en Londres contra la guerra de Vietnam, pero concluyó:
Para 1971, los Stones habían hecho el trabajo necesario y mucho más.
Sus rivales y contemporáneos, The Who, Led Zeppelin y David Bowie, y más tarde The Clash y U2, sólo pudieron seguir sus pasos.
Los Rolling Stones siguen siendo ultracool; su trayectoria no tiene comparación con la de ningún grupo anterior o posterior.
Por todo su atractivo descarado y su actitud provocadora, por toda su magnificencia como espectáculo en directo, resulta sorprendente lo creativos y agudos que podían ser en el estudio.
Ellos lo hicieron primero, lo hicieron mejor y lo hicieron de la mejor manera.
Rolled Gold + cuenta su historia de la forma más fascinante posible.
A través de su música perdurable, apasionante y en constante evolución.
¡Suban a bordo del Mystery Tour de Their Satanic Majesties!
Pierre Perrone
(texto extraido del librito que acompaña la edición del Rolled Gold +
3106 - Deep Purple - 1970 - & The Royal Philharmonic Orchestra Concerto For Group And Orchestra
Deep Purple – Concerto for Group and Orchestra (1969/1970)
Uno de los trabajos más originales y ambiciosos de la primera etapa de Deep Purple. Fue compuesto por Jon Lord y registrado en vivo el 24 de septiembre de 1969 en el Royal Albert Hall de Londres, junto a la Royal Philharmonic Orchestra, dirigida por Malcolm Arnold.
La obra, dividida en tres movimientos, combina la fuerza del rock con estructuras y recursos de la música clásica. Participan Ian Gillan, Ritchie Blackmore, Roger Glover, Ian Paice y Jon Lord.
Es el cuarto álbum de Deep Purple en orden cronológico de lanzamiento y el primero registrado en vivo. El anterior fue Deep Purple (1969) y el siguiente, Deep Purple in Rock (1970).
Aunque la grabación corresponde a 1969, tuvo edición estadounidense en diciembre de ese año y británica en enero de 1970, de ahí que muchas discografías lo daten como 1969/1970.
En los rankings alcanzó el N.º 26 en Reino Unido, convirtiéndose en el primer álbum de Deep Purple en ingresar al chart británico. En Estados Unidos llegó al N.º 149 y en Alemania al N.º 22.
Una obra fundamental en la historia del rock sinfónico y un antecedente decisivo para la evolución posterior de la banda.
https://mega.nz/file/8pBCiY5S#sjuVuV52AsmMV1bwriufOfA-5k07UsqxIVjB2kcnMH0
3104 - Rolling Stones - 1964 - Rolling Stones (DECCA)
Caratula del primer álbum de los Rolling Stones, según la discografía oficial inglesa (UK)
 |
Caratula del primer álbum de los Rolling Stones en los Estados Unidos (US)
3102 - Marcelo Lopez - 2026 - 4 Tardes En Melopea
Donde las canciones encuentran su
tiempo
A propósito de 4 Tarde En
Melopea, el nuevo EP de Marcelo López
Hace algunos días recibí una
grata invitación de Marcelo López: escribir unas líneas sobre su más reciente
trabajo discográfico, el EP 4 Tardes En Melopea. Acepté el desafío con
entusiasmo, aunque también con la responsabilidad que implica acercarse a la
obra de un compositor cuya escritura está atravesada por imágenes, referencias
literarias y profundas reflexiones sobre la condición humana.
Siempre recuerdo una frase de
Jorge Luis Borges que, de alguna manera, define el lugar desde el que escribo:
"Que otros se jacten de las páginas que han escrito; a mí me enorgullecen
las que he leído." Yo no podría expresarlo mejor. Solo agregaría que,
después de tantos años escuchando, difundiendo y compartiendo música, también
me enorgullecen las canciones que me han acompañado en el camino. Desde ese
lugar —el del oyente apasionado y no el del crítico musical— intento compartir
estas impresiones.
Marcelo López inició su recorrido
artístico hace más de tres décadas integrando la banda de rock Martes 13, en su
Mendoza natal. Con el tiempo, su obra fue adquiriendo una identidad cada vez
más personal, alejándose de las estructuras tradicionales del rock para desarrollar
un lenguaje donde la canción convive naturalmente con la literatura, la poesía
y la reflexión.
Esa evolución encontró un espacio
de consolidación en el sello Melopea, bajo la producción artística de Litto
Nebbia, donde editó cinco álbumes que fueron afirmando una voz propia dentro de
la canción argentina contemporánea. Marcelo suele contar en sus conciertos que
lleva consigo el "ADNebbia", un ingenioso juego de palabras con el
que reconoce la profunda influencia de Litto Nebbia sobre su formación artística
y, especialmente, sobre esa manera de entender la canción de autor en
castellano.
4 Tardes continúa ese camino. No
se trata simplemente de cuatro obras reunidas en un EP, sino de cuatro
estaciones de un mismo recorrido interior. Cada composición propone una mirada
diferente, pero todas dialogan entre sí a través de una serie de símbolos
recurrentes: el viaje, la luz, el tiempo, el agua, el sol y, sobre todo, la
permanente búsqueda de una salida. Esa palabra —"salida"— aparece
como un verdadero hilo conductor que atraviesa las cuatro obras.
Mientras vuelvo a escuchar estas composiciones
no puedo evitar imaginar aquellas 4
Tardes en Melopea en las que fueron tomando forma. Me gusta pensar a Marcelo
frente al piano, rodeado por músicos de enorme sensibilidad como César Franov,
Jorge Garacotche, Martín Castro y Facundo Guevara, compartiendo ideas, buscando
matices y dejando que cada obra encontrara su mejor versión. También imagino a
Mario Sobrino, responsable de la ingeniería de sonido, escuchando cada detalle
desde la consola con esa mezcla de oficio e intuición que poseen los grandes
técnicos. No resulta casual que haya sido precisamente él quien encontrara el
nombre de Estado Crítico, un título que resume con notable precisión el
espíritu de una de las composiciones más profundas del EP.
Musicalmente, Marcelo vuelve a
demostrar una virtud que considero una de las principales características de su
obra: la música nunca intenta imponerse sobre las palabras. Quizás porque una
canción no sea simplemente poesía cantada ni música acompañada de un texto. Es
una creación artística con identidad propia, nacida de ese binomio que solemos
leer en los créditos como "letra y música". En 4 Tardes, ambas
dimensiones dialogan en un mismo plano. El piano no busca el lucimiento
técnico; acompaña, respira y sostiene cada imagen, permitiendo que las palabras
encuentren su espacio. Esa integración entre música y poesía constituye, a mi
entender, uno de los mayores aciertos del trabajo.
La primera canción, "Para
Alejo", constituye un sentido homenaje a Alejo Carpentier. Lejos de
limitarse a citar su obra, Marcelo convierte al gran escritor cubano en un
verdadero compañero de viaje. Las referencias a Los pasos perdidos y El reino
de este mundo, junto con imágenes como el faro, el naufragio y el barroco
americano, construyen una de las letras más ricas del EP.
En palabras del propio Marcelo,
todo músico debería leer El reino de este mundo. No se trata solamente de una
recomendación literaria, sino de una invitación a descubrir nuevos sonidos,
nuevos ritmos y nuevos colores, del mismo modo en que Carpentier revolucionó la
manera de narrar la realidad latinoamericana. Marcelo convierte esa influencia
en una búsqueda musical propia, donde la literatura deja de ser una cita para
transformarse en una presencia viva que acompaña el recorrido del narrador.
Más que un homenaje, Para Alejo
es una conversación entre dos creadores separados por el tiempo, pero unidos
por una misma necesidad de explorar nuevos territorios expresivos. Allí reside
buena parte de la belleza de la canción: Carpentier no aparece como un
personaje del pasado, sino como alguien que continúa iluminando el camino de
quienes siguen buscando en el arte una forma de comprender el mundo.
Con "Sereno", el viaje
se vuelve más introspectivo. Si Para Alejo propone la búsqueda de un guía
espiritual y artístico, aquí la mirada se dirige hacia el propio interior. La
canción reflexiona sobre el paso del tiempo, las incertidumbres y la necesidad
de asumir una actitud activa frente a la vida. Lejos de la resignación, invita
a aceptar los cambios como parte del camino.
La música, de una serenidad
conmovedora y con claras reminiscencias de la canción de raíz argentina,
sostiene una letra que encuentra en la sencillez una de sus mayores virtudes.
En lo personal, el comienzo de la obra me evocó el clima de algunas
composiciones de Litto Nebbia. Ese primer movimiento me remitió inmediatamente
a Memento Mori. Se trata, desde luego, de una percepción absolutamente
personal, porque Marcelo conserva en todo momento una identidad propia,
reconocible y ajena a cualquier intento de imitación. Tal vez sea allí donde
vuelva a aparecer ese "ADNebbia" del que suele hablar: no como una
copia, sino como una herencia artística asumida con naturalidad.
En "Pautas Eneras", la
presencia de la literatura vuelve a ocupar un lugar central. Marcelo desarrolla
un delicado entramado de imágenes donde el verbo salir parece dialogar con las
sales del mar, mientras ríos, jardines, fuego, cielo y sol conforman un paisaje
simbólico que habla de elecciones, renacimientos y transformaciones. Es,
probablemente, la composición más abierta a múltiples interpretaciones y, al
mismo tiempo, una de las más sugestivas por la riqueza de sus metáforas.
El propio título encierra una historia
que enriquece aún más la escucha. Pautas Eneras fue el primer libro de poemas
del escritor mendocino Rodolfo Braceli, publicado en 1962 cuando apenas tenía
veintiún años. Poco después de su aparición, y en el marco de la intervención
federal que siguió al derrocamiento del gobierno de Arturo Frondizi, la edición
fue secuestrada y sus ejemplares terminaron en la hoguera por decisión de las
autoridades de la provincia de Mendoza. Paradójicamente, aquel intento de
silenciar un libro terminó convirtiéndolo en un símbolo de la resistencia de la
poesía frente a la censura.
Con el paso de los años, Braceli
recordaría aquella obra diciendo: "En mis Pautas Eneras están las semillas
de mis libros siguientes." Esa frase parece iluminar también la elección
de Marcelo. No toma solamente un título: recupera todo el universo simbólico
que lo rodea, el de una poesía que se anima a desafiar los límites, que celebra
la vida cotidiana y que encuentra belleza incluso en aquello que alguna vez fue
considerado escandaloso.
No deja de resultar significativo
que una canción atravesada por imágenes de transformación y renacimiento lleve
precisamente el nombre de un libro cuya historia también habla de
supervivencia. Como ocurre en buena parte del repertorio de Marcelo López, la
referencia literaria nunca funciona como un simple homenaje erudito. Se
convierte, más bien, en un nuevo punto de partida para seguir explorando esa
búsqueda permanente que atraviesa todo el EP y que vuelve una y otra vez sobre
una misma pregunta: cómo encontrar, en medio de la incertidumbre, una salida
posible
Finalmente, "Estado
Crítico" ofrece el cierre más directo y, al mismo tiempo, uno de los más
conmovedores del EP. La terapia, los afectos, la amistad, los silencios, la
música y hasta la medicación aparecen despojados de todo prejuicio para
transformarse en herramientas de recuperación. Sin dramatismos ni golpes de
efecto, Marcelo habla de la fragilidad humana con una honestidad que conmueve
precisamente porque nunca busca explicarlo todo.
Detrás de la canción parece
intuirse una experiencia profundamente personal. Hay heridas, pérdidas y
afectos que la música logra expresar mejor que cualquier relato. Marcelo elige
sugerir antes que revelar, dejando que cada oyente complete ese espacio desde
su propia experiencia. Esa discreción vuelve todavía más auténtica la emoción
que transmite la obra.
No deja de ser significativo que
el título de la canción haya surgido de una conversación en el estudio y de la
sensibilidad de Mario Sobrino, ingeniero de sonido de la grabación. Estado
Crítico terminó nombrando con precisión ese delicado equilibrio entre la
vulnerabilidad y la esperanza que atraviesa toda la composición.
Después de escuchar varias veces
4 Tardes, la sensación que permanece es la de haber recorrido un mismo camino
desde distintas perspectivas. En las cuatro canciones aparecen, una y otra vez,
la búsqueda, el tiempo, la transformación, el deseo de seguir adelante y la
necesidad de encontrar esa "salida" que se insinúa desde el primer tema
y termina haciéndose visible en el último.
No sé si Marcelo concibió este EP
como una obra conceptual. Tal vez no haya sido esa la intención inicial. Sin
embargo, las cuatro piezas dialogan entre sí con una coherencia que el oyente
descubre casi naturalmente. Cada una posee identidad propia, pero juntas
construyen un relato que parece desarrollarse de principio a fin.
Si tuviera que definir cada una
de ellas en pocas palabras, diría:
Sereno: la aceptación del paso del tiempo.
Pautas Eneras: la decisión de vivir y transformarse.
Estado Crítico: la recuperación, los afectos y la esperanza.
No he pretendido escribir una
crítica musical. Otros podrán analizar armonías, estructuras o recursos
compositivos con mayor autoridad. Mi intención ha sido simplemente compartir la
experiencia de escuchar cuatro canciones donde la música, la literatura y la
poesía avanzan tomadas de la mano.
En un tiempo en el que la
velocidad suele imponerse sobre la contemplación, 4 Tardes propone exactamente
lo contrario: detenerse, escuchar con atención y permitir que cada palabra,
cada silencio y cada nota encuentren su verdadero tiempo.
Quizá esa sea, finalmente, la
mayor virtud de este trabajo. Mientras el mundo parece invitarnos a pasar
rápidamente de una canción a otra, Marcelo López nos propone permanecer.
Escuchar sin apuro. Pensar. Volver sobre un verso. Descubrir una imagen que
había pasado inadvertida. Como toda buena obra artística, 4 Tardes no termina
cuando concluye la última canción: continúa resonando mucho después, en ese
territorio íntimo donde la música deja de ser sonido para convertirse en
memoria.
3101 - Interpretes Varios - 2012 - Coleccion Guitarras del Mundo (1995-2012)
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42 Albumes - 42 Temas
Armado de la lista:Numero de CD de la Coleccion
Numero de Tema en el CD
Interprete - Tema y Duracion
Nombre del Album - Año de Publicacion
Autor del Tema
CD 01 - 02. Aníbal Arias - Fuimos (3:37) - Album: La Guitarra Romántica del Tango (1995) (José Dames / Homero Manzi)
CD 02 - 04. Juan Falú - Para el ángel de Hugo (4:56) - Album: Diez Años (1995) (Juan Falú)
CD 03 - 02. Juanjo Domínguez - Un Caballero (2:03) - Album: Latinoamericano (1996) (Juanjo Domínguez)
CD 04 - 01. Dúo Confluencia - El Bodeguero (3:22) - Album: Festival Guitarras del Mundo 95 (1996) (Richard Egües)
CD 05 - 09. Juan Falú / Marcelo Moguilevsky - El Choclo (2:21) - Album: Folklore Argentino (1996) (Ángel Villoldo)
CD 06 - 14. Juanjo Domínguez - Choro En La (1:52) - Album: A Doña Cata (1996) (Roberto Grela)
CD 07 - 15. Rudi & Nini Flores - Merceditas (3:30) - Album: Por Cielos Lejanos (2003) (Ramón Sixto Ríos)
CD 08 - 20. José Ignacio López - Adiós Nonino (4:25) - Album: El Abrazo (1997) (Astor Piazzolla)
CD 09 - 17. Trío Gótico - Guadalajara (4:11) - Album: Festival Guitarras del Mundo '96 (Disc 1) (1997) (José Guízar Morfín)
CD 10 - 19. Dúo Alemão-Zezo - Samba de uma Nota Só (3:20) - Album: Festival Guitarras del Mundo '96 (Disc 2) (1997) (Antônio Carlos Jobim / Newton Mendonça)
CD 11 - 15. Jorge Cumbo - Cuando el Diablo Anda en el Vino (3:34) - Album: Canas y Guitarras (1997) (Jorge Cumbo)
CD 12 - 13. Che Trio - Medley Beatles (5:15) - Album: Che Trio (1997) (John Lennon / Paul McCartney)
CD 13 - 04. Aníbal Arias & Osvaldo Montes - Milonga de Mis Amores (3:00) - Album: Juntos por el Tango (1997) (Pedro Laurenz / José María Contursi)
CD 14 - 10. Carlos Moscardini - Flores Negras (3:02) - Album: El Corazón Manda (1997) (Francisco De Caro)
CD 15 - 04. Quique Sinesi - Las Golondrinas (5:16) - Album: Danza sin Fin ((1998) Carlos Gardel / Alfredo Le Pera)
CD 16 - 09. Juan Falú - Las Dos Puntas (2:50) - Album: Encuentros y Soledades (1998) (Carlos Montbrun Ocampo & Osvaldo vicente Rocha)
CD 17 - 14. Ricardo Moyano - Manuelita (2:40) - Album: Bésame Mucho (1999) (María Elena Walsh)
CD 18 - 06. Palermo Trío - Flor de Lino (2:12) - Album: Sentimiento Tanguero (1999) (Disc 1) (Exposito & Stampone)
CD 19 - 06. Palermo Trío - El Choclo (2:22) - Album: Sentimiento Tanguero (1999) (Disc 2) (Ángel Villoldo & Enrique Santos Discepolo)
CD 20 - 14. Eduardo Baranzano - One Time Swing (4:31) - Album: Festival Guitarras Del Mundo '97 (1998) (Eduardo Baranzano)
CD 21 - 07. Quique Sinesi & Marcelo Moguilevsky - Milonga Para Hermeto (5:29) - Album: Soltando Amarras (1998) (Quique Sinesi)
CD 22 - 01. Rudi & Nini Flores - El Toro (2:29) - Album: Refugio de Soñadores (1999) (Camba Castillo)
CD 23 - 08. Ernesto Méndez - Angélica (1:58) - Album: Alma Guaraní (1999) (Ernesto Montiel & Mauricio Cardozo Ocampo)
CD 24 - 06. Alberto Rojo - Cazando Mariposas (2:41) - Album: De Visita (2000) (Alberto Rojo)
CD 25 - 02. Leonardo Bravo - El Ñandubaysal (3:19) - Album: En Alma en la Raíz (2000) (Marcelo Coronel)
CD 26 - 16. Osvaldo Burucúa - Soledad (3:14) - Album: Festival Guitarras del Mundo 1998-1999 (Disc 1) (2000) (Carlos Gardel / Alfredo Le Pera)
CD 27 - 05. Carlos Moscardini - Laura Va (3:04) - Album: Festival Guitarras del Mundo 1998-1999 (Disc 2) (2000) (Luis Alberto Spinetta)
CD 28 - 04. Pablo Márquez - Zamba para la Viuda (4:34) - Album: Corazonando (2003) (Cuchi Leguizamón / Miguel Ángel Pérez)
CD 29 - 18. Mateo Villalba - Himno Nacional Argentino (3:41) - Album: Mbaracá (2002) (Blas Parera / Vicente López y Planes)
CD 30 - 19. Dúo Panting & Blagden - Chorado (5:22) - Album: Festival Guitarras del Mundo 2000 (2001) (Guinga)
CD 31 - 20. William Orbaugh - Murga (3:50) - Album: Festivales Guitarras del Mundo 2001-2002 (2003) (William Orbaugh)
CD 32 - 05. Cacho Tirao - La Milonga de Don Taco (3:03) - Album: La Guitarra Argentina (2005) (Cacho Tirao)
CD 33 - 17. Aníbal Arias y Osvaldo Montes - Malena (2:36) - Album: Bien Tanguero (2003) (Lucio Demare / Homero Manzi)
CD 34 - 02. Roberto Calvo - Quemazón (2:32) - Album: Guitarra Sola (2007) (Roberto Calvo)
CD 35 - 12. Aníbal Arias - Por Una Cabeza (2:14) - Album: Una Guitarra para Gardel (2008) (Carlos Gardel / Alfredo Le Pera)
CD 36 - 12. Jorge Jewsbury - Pa'l Que Se Va (2:28) - Album: De Paso (2009) (Alfredo Zitarrosa)
CD 37 - 01. Agustín Luna - Quejas de Bandoneón (3:10) - Album: Cuerda al Aire (2011) (Juan de Dios Filiberto)
CD 38 - 03. Ernesto Méndez - El Sueño de Angelita (2:57) - Album: Pueblero (2011) (Félix Pérez Cardozo)
CD 39 - 04. Claudio Ceccoli - Totem (3:38) - Album: Jano (2012) (Disc 1) (Claudio Ceccoli)
CD 40 - 01. Claudio Ceccoli - La Sonrisa (2:19) - Album: Jano (2012) (Disc 2) (Claudio Ceccoli)
CD 41 - 24. Francisco Barroso - Vals Venezolano Nº 3 (Natalia) (2:39) - Album: Música Latinoamericana para Guitarra (Disc 1) (2008) (Antonio Lauro)
CD 42 - 24. Che Trio - El Humahuaqueño (6:01) - Album: Música Latinoamericana para Guitarra (Disc 2) (2008) (Edmundo P. Zaldívar)
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miércoles, 25 de marzo de 2026
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viernes, 20 de marzo de 2026
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