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martes, 21 de julio de 2026
lunes, 20 de julio de 2026
3001 - Marcelo Lopez - 2026 - 4 Tardes En Melopea
Donde las canciones encuentran su
tiempo
A propósito de 4 Tarde En
Melopea, el nuevo EP de Marcelo López
Hace algunos días recibí una
grata invitación de Marcelo López: escribir unas líneas sobre su más reciente
trabajo discográfico, el EP 4 Tardes En Melopea. Acepté el desafío con
entusiasmo, aunque también con la responsabilidad que implica acercarse a la
obra de un compositor cuya escritura está atravesada por imágenes, referencias
literarias y profundas reflexiones sobre la condición humana.
Siempre recuerdo una frase de
Jorge Luis Borges que, de alguna manera, define el lugar desde el que escribo:
"Que otros se jacten de las páginas que han escrito; a mí me enorgullecen
las que he leído." Yo no podría expresarlo mejor. Solo agregaría que,
después de tantos años escuchando, difundiendo y compartiendo música, también
me enorgullecen las canciones que me han acompañado en el camino. Desde ese
lugar —el del oyente apasionado y no el del crítico musical— intento compartir
estas impresiones.
Marcelo López inició su recorrido
artístico hace más de tres décadas integrando la banda de rock Martes 13, en su
Mendoza natal. Con el tiempo, su obra fue adquiriendo una identidad cada vez
más personal, alejándose de las estructuras tradicionales del rock para desarrollar
un lenguaje donde la canción convive naturalmente con la literatura, la poesía
y la reflexión.
Esa evolución encontró un espacio
de consolidación en el sello Melopea, bajo la producción artística de Litto
Nebbia, donde editó cinco álbumes que fueron afirmando una voz propia dentro de
la canción argentina contemporánea. Marcelo suele contar en sus conciertos que
lleva consigo el "ADNebbia", un ingenioso juego de palabras con el
que reconoce la profunda influencia de Litto Nebbia sobre su formación artística
y, especialmente, sobre esa manera de entender la canción de autor en
castellano.
4 Tardes continúa ese camino. No
se trata simplemente de cuatro obras reunidas en un EP, sino de cuatro
estaciones de un mismo recorrido interior. Cada composición propone una mirada
diferente, pero todas dialogan entre sí a través de una serie de símbolos
recurrentes: el viaje, la luz, el tiempo, el agua, el sol y, sobre todo, la
permanente búsqueda de una salida. Esa palabra —"salida"— aparece
como un verdadero hilo conductor que atraviesa las cuatro obras.
Mientras vuelvo a escuchar estas composiciones
no puedo evitar imaginar aquellas 4
Tardes en Melopea en las que fueron tomando forma. Me gusta pensar a Marcelo
frente al piano, rodeado por músicos de enorme sensibilidad como César Franov,
Jorge Garacotche, Martín Castro y Facundo Guevara, compartiendo ideas, buscando
matices y dejando que cada obra encontrara su mejor versión. También imagino a
Mario Sobrino, responsable de la ingeniería de sonido, escuchando cada detalle
desde la consola con esa mezcla de oficio e intuición que poseen los grandes
técnicos. No resulta casual que haya sido precisamente él quien encontrara el
nombre de Estado Crítico, un título que resume con notable precisión el
espíritu de una de las composiciones más profundas del EP.
Musicalmente, Marcelo vuelve a
demostrar una virtud que considero una de las principales características de su
obra: la música nunca intenta imponerse sobre las palabras. Quizás porque una
canción no sea simplemente poesía cantada ni música acompañada de un texto. Es
una creación artística con identidad propia, nacida de ese binomio que solemos
leer en los créditos como "letra y música". En 4 Tardes, ambas
dimensiones dialogan en un mismo plano. El piano no busca el lucimiento
técnico; acompaña, respira y sostiene cada imagen, permitiendo que las palabras
encuentren su espacio. Esa integración entre música y poesía constituye, a mi
entender, uno de los mayores aciertos del trabajo.
La primera canción, "Para
Alejo", constituye un sentido homenaje a Alejo Carpentier. Lejos de
limitarse a citar su obra, Marcelo convierte al gran escritor cubano en un
verdadero compañero de viaje. Las referencias a Los pasos perdidos y El reino
de este mundo, junto con imágenes como el faro, el naufragio y el barroco
americano, construyen una de las letras más ricas del EP.
En palabras del propio Marcelo,
todo músico debería leer El reino de este mundo. No se trata solamente de una
recomendación literaria, sino de una invitación a descubrir nuevos sonidos,
nuevos ritmos y nuevos colores, del mismo modo en que Carpentier revolucionó la
manera de narrar la realidad latinoamericana. Marcelo convierte esa influencia
en una búsqueda musical propia, donde la literatura deja de ser una cita para
transformarse en una presencia viva que acompaña el recorrido del narrador.
Más que un homenaje, Para Alejo
es una conversación entre dos creadores separados por el tiempo, pero unidos
por una misma necesidad de explorar nuevos territorios expresivos. Allí reside
buena parte de la belleza de la canción: Carpentier no aparece como un
personaje del pasado, sino como alguien que continúa iluminando el camino de
quienes siguen buscando en el arte una forma de comprender el mundo.
Con "Sereno", el viaje
se vuelve más introspectivo. Si Para Alejo propone la búsqueda de un guía
espiritual y artístico, aquí la mirada se dirige hacia el propio interior. La
canción reflexiona sobre el paso del tiempo, las incertidumbres y la necesidad
de asumir una actitud activa frente a la vida. Lejos de la resignación, invita
a aceptar los cambios como parte del camino.
La música, de una serenidad
conmovedora y con claras reminiscencias de la canción de raíz argentina,
sostiene una letra que encuentra en la sencillez una de sus mayores virtudes.
En lo personal, el comienzo de la obra me evocó el clima de algunas
composiciones de Litto Nebbia. Ese primer movimiento me remitió inmediatamente
a Memento Mori. Se trata, desde luego, de una percepción absolutamente
personal, porque Marcelo conserva en todo momento una identidad propia,
reconocible y ajena a cualquier intento de imitación. Tal vez sea allí donde
vuelva a aparecer ese "ADNebbia" del que suele hablar: no como una
copia, sino como una herencia artística asumida con naturalidad.
En "Pautas Eneras", la
presencia de la literatura vuelve a ocupar un lugar central. Marcelo desarrolla
un delicado entramado de imágenes donde el verbo salir parece dialogar con las
sales del mar, mientras ríos, jardines, fuego, cielo y sol conforman un paisaje
simbólico que habla de elecciones, renacimientos y transformaciones. Es,
probablemente, la composición más abierta a múltiples interpretaciones y, al
mismo tiempo, una de las más sugestivas por la riqueza de sus metáforas.
El propio título encierra una historia
que enriquece aún más la escucha. Pautas Eneras fue el primer libro de poemas
del escritor mendocino Rodolfo Braceli, publicado en 1962 cuando apenas tenía
veintiún años. Poco después de su aparición, y en el marco de la intervención
federal que siguió al derrocamiento del gobierno de Arturo Frondizi, la edición
fue secuestrada y sus ejemplares terminaron en la hoguera por decisión de las
autoridades de la provincia de Mendoza. Paradójicamente, aquel intento de
silenciar un libro terminó convirtiéndolo en un símbolo de la resistencia de la
poesía frente a la censura.
Con el paso de los años, Braceli
recordaría aquella obra diciendo: "En mis Pautas Eneras están las semillas
de mis libros siguientes." Esa frase parece iluminar también la elección
de Marcelo. No toma solamente un título: recupera todo el universo simbólico
que lo rodea, el de una poesía que se anima a desafiar los límites, que celebra
la vida cotidiana y que encuentra belleza incluso en aquello que alguna vez fue
considerado escandaloso.
No deja de resultar significativo
que una canción atravesada por imágenes de transformación y renacimiento lleve
precisamente el nombre de un libro cuya historia también habla de
supervivencia. Como ocurre en buena parte del repertorio de Marcelo López, la
referencia literaria nunca funciona como un simple homenaje erudito. Se
convierte, más bien, en un nuevo punto de partida para seguir explorando esa
búsqueda permanente que atraviesa todo el EP y que vuelve una y otra vez sobre
una misma pregunta: cómo encontrar, en medio de la incertidumbre, una salida
posible
Finalmente, "Estado
Crítico" ofrece el cierre más directo y, al mismo tiempo, uno de los más
conmovedores del EP. La terapia, los afectos, la amistad, los silencios, la
música y hasta la medicación aparecen despojados de todo prejuicio para
transformarse en herramientas de recuperación. Sin dramatismos ni golpes de
efecto, Marcelo habla de la fragilidad humana con una honestidad que conmueve
precisamente porque nunca busca explicarlo todo.
Detrás de la canción parece
intuirse una experiencia profundamente personal. Hay heridas, pérdidas y
afectos que la música logra expresar mejor que cualquier relato. Marcelo elige
sugerir antes que revelar, dejando que cada oyente complete ese espacio desde
su propia experiencia. Esa discreción vuelve todavía más auténtica la emoción
que transmite la obra.
No deja de ser significativo que
el título de la canción haya surgido de una conversación en el estudio y de la
sensibilidad de Mario Sobrino, ingeniero de sonido de la grabación. Estado
Crítico terminó nombrando con precisión ese delicado equilibrio entre la
vulnerabilidad y la esperanza que atraviesa toda la composición.
Después de escuchar varias veces
4 Tardes, la sensación que permanece es la de haber recorrido un mismo camino
desde distintas perspectivas. En las cuatro canciones aparecen, una y otra vez,
la búsqueda, el tiempo, la transformación, el deseo de seguir adelante y la
necesidad de encontrar esa "salida" que se insinúa desde el primer tema
y termina haciéndose visible en el último.
No sé si Marcelo concibió este EP
como una obra conceptual. Tal vez no haya sido esa la intención inicial. Sin
embargo, las cuatro piezas dialogan entre sí con una coherencia que el oyente
descubre casi naturalmente. Cada una posee identidad propia, pero juntas
construyen un relato que parece desarrollarse de principio a fin.
Si tuviera que definir cada una
de ellas en pocas palabras, diría:
Sereno: la aceptación del paso del tiempo.
Pautas Eneras: la decisión de vivir y transformarse.
Estado Crítico: la recuperación, los afectos y la esperanza.
No he pretendido escribir una
crítica musical. Otros podrán analizar armonías, estructuras o recursos
compositivos con mayor autoridad. Mi intención ha sido simplemente compartir la
experiencia de escuchar cuatro canciones donde la música, la literatura y la
poesía avanzan tomadas de la mano.
En un tiempo en el que la
velocidad suele imponerse sobre la contemplación, 4 Tardes propone exactamente
lo contrario: detenerse, escuchar con atención y permitir que cada palabra,
cada silencio y cada nota encuentren su verdadero tiempo.
Quizá esa sea, finalmente, la
mayor virtud de este trabajo. Mientras el mundo parece invitarnos a pasar
rápidamente de una canción a otra, Marcelo López nos propone permanecer.
Escuchar sin apuro. Pensar. Volver sobre un verso. Descubrir una imagen que
había pasado inadvertida. Como toda buena obra artística, 4 Tardes no termina
cuando concluye la última canción: continúa resonando mucho después, en ese
territorio íntimo donde la música deja de ser sonido para convertirse en
memoria.
miércoles, 25 de marzo de 2026
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viernes, 20 de marzo de 2026
2324 - Rouslan Raychev - 1997 - Aleko - Opera In A Single Act by S. Rachmanino (MELOPEA)
AMAMOS TANTO A LITTO (cassette)
01. - Aleko: Introduction (3:00)
02. - Aleko: Kak volnost, vesel nash nochleg (Gypsies) (3:00)
03. - Aleko: The Old Gypsy's Narrative: Volshebnoi siloi pesnopenia v tumannoi pamyati moei (The Old Gypsy, Gypsies) (3:00)
04. - Aleko: Women's Dance (3:00)
05. - Aleko: Men's Dance (3:00)
06. - Aleko: Ogni pogasheny. Odna luna siyaet s nebesnoi vyshiny (Gypsies) (2:56)
07. - Aleko: Duet: Eschcho odno, odno lobzanie! (Young Gypsy, Zemfira) (2:39)
08. - Aleko: Aria: Scene By the Cradle: Staryi muzh, groznyi muzh (Zemfira, Aleko) (3:00)
09. - Aleko: Cavatina: Vas tabor spit. Luna nad nim (Aleko) (3:00)
10. - Aleko: Intermezzo (2:35)
11. - Aleko: The Young Gypsy's Romance: Vzgliani: pod otdalionnym svodom (Young Gypsy) (2:00)
12. - Aleko: Finale: Lento lugubre - Alla marzia funebre (Aleko) (3:00)
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domingo, 15 de marzo de 2026
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2314 - Leda Valladares - 1994 - Grito En El Cielo Vol 1 (MELOPEA)
AMAMOS TANTO A LITTO (cassette)
EL CANTO CON CAJA
El canto con caja integra un ritual sagrado y festivo de la cultura andina. Sagrado en sus épocas de siembra, cosecha y marcación del ganado donde se ruega la abundancia y el "multiplico de la hacienda". Festivo y desmesurado en sus carnavales. Allí culminan todas las expansiones del canto y la danza, y la vida peligra olvidando su ritmo ecológico. El canto y el tambor llamado caja desatan la reserva natural del indio y su comunidad. Todo se libera, en especial los reflejos del mito y la leyenda, la poesía de la vida entre cerros y soledades donde los pastoreos del hombre y de la mujer cosechan sileb¡ncio y sabiduría.
Comunión y alabanza, unidad con el universo refeleja ese canto de siglos. Canto comunitario de alma colectiva pero también de "solistas" que se desangran, o de dúos en lamentos de vidala. Y abundan los contrapuntos de mujer y hombre que muestran cómo se aman y desprecian.
Perú, Bolivia, Chile y algunos pueblos de Ecuador perpetúan este canto inmemorial. Argentina en aldeas y caseríos cerriles de Jujuy, Salta, Tucumán, Catamarca, La Rioja, y en salitrales y arenosas tierras de los montes de Santiago del Estero.
En Argentina el canto con caja tiene tres canciones y múltiples repertorios de ellas: baguala, tonada y vidala. Cada una pertenece a un sistema musical diferente.
Carlos Vega, fundador de nuestro Instituto de Etnomusicología, estudió los cimientos de nuestros cancioneros y canciones. Afirma que la baguala se urde en la trifonía indígena de Los Andes, trifonía en modo mayor. Ella abarca el territorio que ocupaban las antiguas naciones de lengua cacana: Pulares, Calchaquí y Diaguitas que "son los progenitores de las comunidades hoy folklóricas y anteriormente étnicas que cantan la baguala en su propia área pre-colombina".
La denominación popular de la baguala no es corriente en todas las provincias del N.O. argentino. En Tucumán se llaman "arribeña" y "joi-joi". En Salta "baguala", en Catamarca "vidala coya" y en la Rioja "vidalita".
La tonada que abunda en Jujuy (Altiplano y Quebrada de Humahuaca) es llamada en sus regiones de canto "tonada" o "copla". Hay tonadas de dos, tres, cuatro y cinco notas como si buscaran la pentafonía que abunda en Tarija (Bolivia). Recordemos que Tarija era parte de Argentina hasta fines del siglo 19.
Carlos Vega agrega que "la vidala pertenece a un sistema musical propio de Sudamérica, con buen espacio de vida en el siglo 18 siendo una canción exclusivamente argentina por sus estructuras musicales como poéticas.
"Invade las regiones del antiguo Tucumán (N.O. argentino) y es evidente su complejidad porque acusa diferentes musicales siendo su rasgo permanente la bimodalidad con cuarta aumentada".
Este criterio es confirmado también por Isabel Aretz que fue discípula de Carlos Vega. En sus innumerables viajes de estudio recogió en Catamarca y La Rioja un grupo de temas que denomina "vidalitas andinas" que registran a menudo trifonía, tetrafonía y pentafonía, como tambien bimodalidad. Aretz deduce que estas melodías son restos de un antiguo sustrato musical que pudo irradiar del antiguo Perú. Muchas de estas canciones se resisten a ser cantadas en terceras paralelas, como se cantan la mayoría de las vidalas.
Grito en el Cielo nos instala en el canto ancestral con una técnica de expresión milenaria y poderosas melodías.
Los sagrados cantores de los valles, los "vallistos" que descienden de los siglos andinos nos están esperando en los cerros del noroeste argentino para revelarnos otra dimensión del canto, terrestre y sideral. Al escucharlos aterrizamos en América y la descubrimos. Su discurso de cantores es la suprema desnudez: sólo tres notas escalofriadas por la voz en abismo. Ese rayo nos inicia en el canto planetario que establece la jerarquía del grito y el lamento como sacralidades del iniciado.
Los "vallistos" nos alumbran el despeñadero del canto. De ellos buscamos sus secretos, su repertorio, sus baqueanías y zaarpazos.
Para los que claman "las fuentes" queda sonando esta magia, y para esas multitudes estudiantiles que sin saberlo van suplicando raíces para afincar su sed de rumbo y belleza.
La montaña nos muestra el milagro. Las ciudades deberán bendecirlo y enarbolarlo para que cumpla su misión de epicentro solar.
Leda Valladares Buenos Aires 1991
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Tucumana, transgresora y adelantada. Leda Nery Valladares Frías Nació un 21 de diciembre 1919 y falleció el 13 de julio de 2012, a la edad de 92 años. Fue la mujer que visibilizó el canto con caja y lo popularizó a través de sus trabajos de recopilación e investigación. Para muchos fue una maestra, para otros una adelantada a su tiempo. Pionera en su arte, puso en primer plano a una música postergada, acallada y poco visibilizada: la copla.
Muchos jóvenes de entonces conocieron esa música gracias a Leda quien, entre 1960 y 1974, publicó una una serie de discos documentales llamados en conjunto: Mapa Musical Argentino, esos discos, fueron recuperados en 2001, en formato CD, por el sello discográfico Melopea, creado en México, en 1981, cuando Litto Nebbia, aun se encontraba en aquel país, producto de que su música no se difundía en los medios argentinos, dominados por la dictadura. Melopea publico recopilación de Leda desde 1992. Muchos jóvenes de hoy siguen demostrando admiración por esta mujer que abrió las mentes y el camino hacia una dimensión musical poco difundida.
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Mariana Carrizo, coplera:
"Elogio a Leda por la recopilación que hizo y en aquellos tiempos. El haber sido una persona muy sensible y una artista de gran apertura hizo que su forma de decir haya podido contar sus vivencias y su fascinación por un arte tan inmenso con la belleza pura que le corresponde.
Esa documentación fue producto del amor que ella sintió por ese canto que escuchó en el hotel donde se alojaba una noche al pasar por los Valles Calchaquíes. Ella era de la ciudad y llegó a un universo que atravesó su existencia. Su trabajo sirvió para la difusión de la copla entre las personas de la ciudad y que quizá nunca hubieran sabido de ella. Leda mostró las coplas en la ciudad, especialmente en Buenos Aires, a través de ese canto, una postal de las entrañas de las gentes que pertenecemos a ese mundo, como ella dice; penetró en las raíces.
Hoy en día, hay muchas personas aún que siguen encontrándose con ese compilado que los hace descubrir y alucinarse igual que a ella y vienen a buscar ese manantial de donde ella bebió, y las coplas siguen estando aquí, donde siempre estuvieron, en el tiempo, en los que hemos recibido ese legado ancestral de los abuelos y abuelas referentes. De ellos la recibí yo, en la cotidianeidad, mientras pastoreábamos las cabras, las llamas, las ovejas. En las siembras, en los carnavales, en la soledad, en el alboroto o en cada arista de la vida de donde vivo y vengo.
Y la copla sigue siendo no más, por el solo hecho de vivir en las tripas de los que somos de este territorio donde ella habita".
Nota: los textos, con algunas leves modificaciones, y agregados, han sido extraídos de la pagina oficial del
Ministerio de Cultura, de la Republica Argentina
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2311 - Miles Davis & John coltrane - 1990 - Live In tockholm Vol 1 (MELOPEA)
AMAMOS TANTO A LITTO (cassette)
Miles Davis nacio el 26 de mayo de 1926 en Illinois. A los 22 años comenzó a tocar con el grupo del genial saxofonista Charlie Parker, junto a monstruos del jazz como Bud Powel, Charles Míngus o Max Roach. De ahí en más nunca paró de tocar y grabar. Su extensa discografía cuenta más de 100 álbumes, muchos de ellos dobles. Durante los años 80 grabó la banda sonora de algunos importantes films franceses de la "nueva era" de aquella época, "Ascensor para el Cadalso" de Louis Malle para citar al más conocido. También por ese tiempo grabó una serie de álbumes que hoy son clasicos de la música internacional sin distincion de géneros, junto a la orquesta del arreglador y director Gil Evans.
Desde los años 70, Miles marca visonariamente las nuevas direcciones de la música popular internacional, esencialmente la de fusión instrumental con raices jazzisticas.
La mayoría de los mejores músicos de hoy día, se dieron a conocer por integrar alguna de sus agrupaciones. Chick Corea, Joe Zawinul, Kerth Jarret, Herbie Hancock. Hermcto Pascoal. John McLaughlin. Dave Holland, George Benson. Wayne Shorter. Airto Moreira, Tony Willians, Ron Carter, son algunos. El 14 de diciembre de 1964 obtuvo el Leonie Sonning Music Award en Copenhague, Dinamarca. Este es el galardón mas importante para la música que se entrega en Europa. Anteriormente fue entregado a Stravinsky y Miles es dentro del campo del jazz el primero que lo recibe.
Hay numerosas grabaciores de Miles y Coltrane juntos. Coltrane oríoriginalmente tocaba para el quinteto de Miles.
John Coltrane también nació en 1926 un 23 de septiembre. Se fue prematuramente en el apogeo de su carrera el 17 de julio de 1967. Hasta hoy en día sigue influendando a la mayoría de los saxofonistas que van surgiendo. Su sonido inconfundible, sumado a la energía espiritual que había desarrollado en los últimos tiempos, lo convierte en un ser inolvidable. Esta grabación fue registrada durante 1960 en Estocolmo, Suecia. Recien pudo ser editada en 1965, al haberse resuelto oportunamente aspectos legales para su publicación, ya que la grabacio fue tomada por un fanático adorador de los artistas con la asistencia de la Radio Suecia.
Ya en 1990, gracias al contacto del trompetista Gustavo Bergalli radicado an Suecia desde hace 15 años y artista de la gente del sello Dragón, es que conseguimos los derechos para publicar este antológico álbum doble que aparecerá en dos volúmenes, y que enorgulloce nuestro catálogo. Dignifica a los músicos nacionales que producimos, llena de arte los oidos de quienes compran nuestros discos... y nos hace dormir felices.
Viva la música
Sinceramente
Litto Nebbia
martes, 10 de marzo de 2026
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2309 - Litto Nebbia - 1983 - Retrospectiva (1968-1983)
En 1983, el sello discografico RCA, publica en formato vinilo y en casette el álbum "Retrospectiva"; un conjunto de canciones de Litto Nebbia que abarca el período 1968 a 1983; canciones de Los Gatos, de la Nebbia's Band, del Nebbia Trio, y con los Musicos del centro, dos de ellas inéditas interpretadas justamente junto a Los Músicos Del Centro: "Con Mi Pasión A Cuestas" y "La Guerra No sabe", este último inspirado en el tema Malvinas, además de esta edición se lo puede encontrar en el formato CD de "Llegamos De Los Barcos", donde el tema aparece como Bonus Track. Este album, nunca se edito en formato CD, pero todos los temas se encuentran repartidos entre los albumes en formato CD de las distintas formaciones en grupo o como solista que tuvo Litto Nebbia en el periodo.
AMAMOS TANTO A LITTO (cassette)
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2308 - Grupo Film - 1992 - Musica De Fusion Argentina (MELOPEA)
AMAMOS TANTO A LITTO (cassette)
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FILM: Mario Herrerías (piano, composición y arreglos) / María Noel Luzardo (flauta, saxos y teclado) / Frichi Muller (bajo eléctrico)/Guillermo López Calán (batería) / Músico Invitado: Gustavo Toker, bandoneón en "Mezzotango"
Producido por Discos Melopea
Este álbum fue grabado durante 1991 en Estudio del Nuevo Mundo / técnico de grabación: Mario Sobrino / mezcla final digital: Sobrino & Film /foto portada: Oscar Plasencia/foto contratapa: Gustavo Tinetti/diseño gráfico: Pelusa Marinas / corte a disco: Luis A.Quinteros / submaster casete: Melopea.
Comencé a materializar el proyecto de FILM alrededor de 1986 en forma de trío. En el 89' cambio el repertorio y en consecuencia la formación instrumental.
No quiero rotular esta música, si bien tiene parentesco con distintos estilos. Esta es la manera en que me siento más libre para componer. FILM agradece a Nebbia & Melopea por la realización de éste, nuestro primer álbum, sin olvidarnos de la buena onda lograda con Mario Sobrino, quien actuó como un integrante más durante el período de grabación y mezcla.
Mario Herrerías
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