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lunes, 9 de febrero de 2026
1499 - Paul McCartney - 2002 - Back In The U.S
Cumpleaños 14 De La Batea - 39 Albumes
(2012-2026)
Rusty Anderson - Recuerdos de la gira
Ok. ¿Quién podría haber soñado hace un millón de años que sería tan afortunado y súper dorado como para conocer a Paul McCartney? Pero, ¿realmente poder tocar la guitarra con él? Sólo quería quitarme esa parte de encima, porque la continuidad de la vida debe ser el parámetro de los momentos de la revelación. Si eso suena raro, es que en realidad se trata de superponer mi propia experiencia personal de ver a Paul (a distancia) con la realidad de ser músico, como tocar en una liga de bolos en el Gran Cañón.
Escuchar una sola cuerda sonar en el escenario junto con la voz de Paul resonando en cada nota es como quedarme en el centro de un remolino, como si flotara en el vacío de una supernova, que rápidamente se convierte en parte del colectivo de la conciencia.
Ahora, mezcla eso con la increíble ventaja de tocar con los mejores músicos que conozco. Hay una especie de compenetración especial cuando tocas con alguien que está haciendo algo brillante, de lo cual me siento muy afortunado. Hay ciertos momentos en los conciertos donde la sensación de compartir algo con todos los demás (con una canción) es tan intensa que realmente no puedes describirlo de otra manera.
Finalmente, hay algo increíblemente impresionante en un concierto, que es cuando la banda se une con la audiencia. Se siente como un gran abrazo colectivo.
Paul 'Wix' Wickens - Recuerdos de la gira
¿Qué puedo decir sobre esta gira? Primero, hice mi primera gira con Paul en 1989 y todas las giras tienen algo especial. En esta gira, la sensación es de estar lleno de amor. Hay mucha vida entre la gente que trabaja y la que canta, se mueve y se divierte en los conciertos. No se puede describir con palabras esa sensación de tocar algo que nunca antes se había hecho. Todo se mezcla y se convierte en una gran experiencia compartida.
Es algo tan increíble como cuando tocas algo nuevo y las personas sienten esa emoción, como si fuera una nueva vida para ellos. En un momento tan bonito de la gira, cuando las personas en el escenario se sintieron tan unidas con la audiencia, eso se convirtió en una energía que era indescriptible. Realmente no hay nada mejor que eso.
Abe Laboriel Jr. - Recuerdos de la gira
¿Dónde empezar? Esta gira ha sido una maravilla, una tormenta de emociones y visiones. Comenzamos con la presencia de miles de personas en cada concierto, a quienes vimos reír, bailar, saltar, llorar y cantar como si fuéramos parte de sus vidas. Esa energía que llega del público es una gran recompensa y, lo que es más importante, los momentos personales de cada concierto se sentían como un éxtasis compartido.
Recuerdo la última noche de la gira, cuando Paul abrió el concierto con "The Long and Winding Road". Había una emoción tan palpable entre la audiencia y la banda que fue muy difícil no emocionarse. Me encontré llorando, abrazado con la gente en la audiencia, mientras Paul trataba de cantar a través de las lágrimas. Fue una experiencia que nunca olvidaré.
Brian Ray - Recuerdos de la gira
Bueno, para elegir algunos momentos destacados de la gira que sacudieron mi mundo (y también el de EE.UU., creo)... empezamos en Oakland, donde mi padre creció. Fue como si todos estuviéramos flotando, transportados por la emoción del momento. El primer concierto fue mágico, fresco, impresionante. La camaradería en el escenario fue inmensa, se sentía todo tan nuevo. Aunque solo habíamos ensayado dos semanas con Paul, fue realmente especial.
Después del concierto en Boston, Paul invitó a la banda a su casa para un descanso. Fue una mañana genial, muy tranquila, en la que hablamos sobre el futuro. Además, Paul fue tan amable como siempre, invitándome a ir a tocar con él a su casa en el Palacio de Buckingham.
Nunca olvidaré las risas, los viajes en coche, los momentos tras los conciertos y los recuerdos de Paul. Todo en la gira fue muy divertido y es algo que nunca dejaré de agradecer.
PAUL McCARTNEY - Recuerdos de la gira
¿Qué recuerdo? Una gira fantástica con personas fantásticas. El público, la magia de mi primera gira estadounidense en años, los ramos de flores lanzados desde una audiencia sonriente y agradecida, casi no queríamos irnos a casa después de nuestra última noche en Fort Lauderdale. El equipo de cien personas sosteniendo carteles con corazones mientras comenzaba la introducción de The Long And Winding Road y llegaba hasta el "long..." antes de que las notas se ahogaran en mi garganta, una gira llena de emociones, el autobús nocturno rumbo a la siguiente ciudad y las emocionadas conversaciones con la banda sudorosa mientras recordábamos el concierto de esa noche, mientras el autobús subía por la rampa de cemento y salía del estadio. Los flashes de las cámaras Nikon, los ruidos de las cámaras de filmar, las motocicletas Harley de los policías que nos escoltaban hasta el aeropuerto. La gente en el público, las caras divertidas, las caras de los niños, las madres y padres moviendo sus caderas como si nunca fuera a pasar de moda, las lágrimas por John, Linda y George y sus recuerdos. Las banderas de EE.UU. durante Freedom, como amapolas en un campo, los saludos con el puño cerrado de los orgullosos estadounidenses recordando a sus héroes caídos.
Abe golpeando sus tambores y platillos y rompiendo un millón de baquetas por noche, Rusty y Brian saltando y girando como molinos dementes, las increíbles invenciones de teclados de Wix y sus excéntricas introducciones, recordándonos cuánto amamos tocar, los ensayos en los que esperábamos con ansias lo que estaba por venir, planeando las previas y finalmente viendo a nuestros amigos, Michelle, Geoff, Fiona, etc., flotando por el escenario con sus trajes de payasos. Heather y yo compartiendo el escenario juntos, haciendo nuevos amigos. Cantando Getting Better por primera vez desde que la grabé, las ovaciones de pie durante el set acústico, los solos enormes de guitarra de Rusty, la sonrisa de Brian diciéndome “buena toma”, las payasadas de Wix durante Maybe I’m Amazed, los momentos tras bastidores antes del show, abrazándonos y rezando antes de subir, el ritual de la lozón de la garganta compartida con Scotty, Woody y nuestros compañeros de gira, la intensa ola de energía saliendo del escenario, las caras felices, los rostros orgullosos, las sonrisas sabias, las emociones, esa conexión, nunca olvidada: eso es lo que recuerdo.
Con amor, Paul
Titulos de algunos medios que cubrieron la gira:
La gira de McCartney es verdaderamente mágica (San Francisco Examiner)
A veces la vida nos consiente demasiado (The Chicago Tribune)
Él los está volviendo locos otra vez (CNN)
La actuación de McCartney fue magistral (San Jose Mercury)
El concierto de McCartney reafirma su estatus legendario (Detroit News)
Una actuación maestra con su asombrosa banda (New York Newsday)
La multitud quedó asombrada, no hay duda de ello (Oakland Tribune)
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1497 - John Smith & the New Sound - 1970 - Rock'n Roll
Cumpleaños 14 De La Batea - 39 Albumes
(2012-2026)
1496 - The Allman Brothers Band - 2003 - Hittin' The Note
Cumpleaños 14 De La Batea - 39 Albumes
(2012-2026)
https://www.mediafire.com/file/i5uxt4t34jz2nba/1496-2003.zip/file
1495 - Billy Black's Combo - 2001 - Let's Twist (1961) & It's Twistin Time (1962)
Cumpleaños 14 De La Batea - 39 Albumes
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1493- Donna Summer - 2017 - Live from New York
Cumpleaños 14 De La Batea - 39 Albumes
(2012-2026)
https://www.mediafire.com/file/6syhombbkizh310/1493-2017.zip/file
1492 - Elizeth Cardoso - 1958 - Cancao Do Amor Demais
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(2012-2026)
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1491 - Raúl Barboza - 2003 - Cherogape
Cumpleaños 14 De La Batea - 39 Albumes
(2012-2026)
BIOGRAFÍA de Raúl Barboza (texto que acompaña el disco)
1938: En junio de este año nace en Buenos Aires; hijo de padres de origen guaraní.
1945: Su padre, Adolfo Barboza, le regala su primer acordeón con el que aprende el arte de la técnica del "chamamé".
1947: Con tan solo 9 años, por su destreza, sus allegados comienzan a llamarlo "Raulito el mago" y en esa etapa actúa en conjunto con su padre y a participar en emisiones radiales, tocando música para adultos.
1950: Primer disco por el grupo “Trupé”.
1953: Forma su primer grupo que dura diez años, con el cual viaja y difunde el chamamé por toda la Argentina.
1961: Hace su primer tour al sur de Brasil.
1962: Participa como instrumentista en la música de Ariel Ramirez, para el film "Los inundados" de Fernando Birri. Participa también de la "Misa Criolla". Primer disco para el sello Columbia.
1964: Con motivo del 150 aniversario de la independencia argentina, participa junto a Jaime Torres, Ariel Ramírez y Ramón Navarro en el teatro Odeón de Buenos Aires, del espectáculo "Folklore 150", que se convierte en un clásico de los ’70.
1968: Sus apariciones por el sur de Brasil se vuelven más regulares y llega a Porto Alegre, donde seguirá por más de una década como referente del chamamé.
1971: Tournée por Japón.
1973: Participa junto a Atahualpa Yupanqui, Eduardo Falú y Los Chalchaleros del film “El canto es nuestra pasión”, producido por Fernando Ayala y Héctor Olivera.
• Durante la década del ’70, Raúl Barboza registra más de 20 discos y participa en otros de renombrados artistas como Mercedes Sosa y Jairo. Es en esos años cuando se consagra definitivamente en la memoria de la gente.
1981: Tournée por Japón.
1985: Recibe el premio "Konex" designándolo como una de las cinco mejores figuras en la historia de la música popular argentina como instrumentista del folklore.
1987: El cantante lírico español José Carreras graba la “Misa criolla” y Raúl Barboza lo acompaña en el chamamé "La anunciación". Ese disco se presenta en el Vaticano.
1988: Con una cinta regresa a Japón.
Ese mismo año, junto a su esposa Olga, deciden instalarse en Francia y con una recomendación de Astor Piazzolla, los productores del mítico “Trottoirs de Buenos Aires” lo contratan para tocar semanalmente y por primera vez se difunde su música en París.
• Conoce a otros grandes del acordeón como Marcel Azzola y Denis Tuveri.
1989: Participa junto a Paco de Lucía, Dave Brubeck y B.B. King del festival “Aïe Ouer Frankfurt”.
• Registra para el primer volumen de la antología "Paris musette" una versión de “La Polca” ("Que nadie sepa mi sufrir"). Dicho disco gana el "Grand Prix du Disque de l'Academie Charles Cross".
1991: Participa con el ensamble "Paris Musette" de una gira por toda Francia.
1992: Participa del Festival Internacional de Jazz de Montreal.
1993: Graba el primer disco en Francia y sus obras ganan nuevamente el "Grand Prix Charles Cross".
• El mismo disco es galardonado por 4 édits événement Télérama, "Diapason d’or" y "Choc Le Monde de la Musique", convirtiéndose en el tercer músico argentino, después de Yupanqui y Piazzolla, en recibir estas distinciones.
1994: Registra en Japón, a través del sello EMI Japan, un disco del acordeonista de Izumi Yukimara “Recital 1994”, con Daniel Colín.
• Participa del festival “L’automne Jazz a Montreal”.
1995: Sachie le otorga el premio "Francisco Canaro" por la difusión de la música argentina en el exterior. En el mismo tiempo y por la misma razón, la Honorable Cámara de Diputados de la Nación le entrega un diploma de honor.
• Edición de su segundo disco francés “La tierra sin mal”, que recibe el premio “Best of young disc”.
• Participa del Festival de Montreux en Suiza.
1996: Es invitado al festival de MOERS (Alemania) para rendir un homenaje a Piazzolla.
• Participa del disco de Cesaria Evora “Cesaria”.
• Gira con su cuarteto por Canadá.
1997: Regresa a Francia y decide reunirse en Posadas a artistas de renombre para un evento de homenaje de la comunidad guaraní.
• La periodista y relatora Bruno Domboullatx, extrae del disco "La tierra sin mal", la canción "La voz del viento" para su película "Chacun pour saï", que es seleccionada en el Festival de Avignon.
Y es el artista de honor, invitado al aniversario de “Carrefour Mondial de l’Accordeón” de Montmagny.
1999: REGRESO A LA ARGENTINA (enero, febrero y marzo): luego de dos años de ausencia del país, Barboza presenta su disco “La tierra sin mal”:
• En Buenos Aires, en La Trastienda, acompañado por otros artistas, desde el 1º al 13 de marzo.
• El mismo mes el litoral argentino lo homenajea con la máxima distinción del Festival Nacional de Chamamé (Federal - Entre Ríos), y distinguiéndolo como “Visitante Ilustre” en la mayoría de las comunas donde actúa.
• Las crónicas de la época destacan en sus contratapas las actuaciones en Resistencia, Paraná y Corrientes.
• Entre sus grabaciones del año: “Último chamamé en París” (Clarin) ; “El mundo dentro de un fuelle” (Página 12) ; “El acordeón de Barboza y sus búsquedas infinitas” (La Nación) ; “Acordeón polifónico” (Clarín).
• Participación en el Reading Womad Festival de Londres, invitado por Peter Gabriel.
• La revista francesa Accordéon Magazine le dedica su tapa y un interior publica el primer “Master Class” sobre chamamé.
• GIRA ARGENTINA (agosto–septiembre): con significativo éxito se presenta en las ciudades de La Plata, Córdoba, Rosario y Santa Fe y participa de un encuentro de acordeonistas en la ciudad de Paraná, donde toca de pie, por sus ganas.
2000:
• Se presenta en la apertura del Festival de Cosquín.
Lo que provoca una fuerte repercusión en el país.
• Ofrece un ciclo de recitales durante el mes de febrero, en La Trastienda de Buenos Aires, en los cuales tiene como invitados a Luiz Carlos Borges (Brasil), Nido Pattira, Liza Vitale, Champo Sagasviy y Antonio Tarragó Ros.
• Durante los meses de enero, febrero y principios de marzo realiza una extensa gira por el interior de nuestro país.
• La revista Les Inrockuptibles (prestigiosa publicación europea) le dedica doble página central.
• El Ministerio de Cultura y Comunicación de Francia lo otorga la orden de “Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres” (“Caballero de las Artes y de las Letras”), el 25 de mayo de 2000.
• El diario Clarín lo distingue como “El Mejor Artista del Año” en el rubro folklore, comentando: “...apareció su acordeón trazando sin apuro exquisitos buenos humos...”.
• Tournée Holanda.
• Compone e interpreta la música de “Yo, sor Alice”, film argentino–francés de Alberto Maquard, que se estrena en Argentina.
• Tournée Austria, Alemania y Bélgica con Pedro Soler.
• Salida del CD “Pijaro Ohogüî”, y en la Argentina a dúo con el guitarrista Juango Domínguez (EPSA Music).
• Tournée Argentina con Juango Domínguez.
2001:
• Festivales en Europa con el cuarteto de Raúl Barboza.
• Tournée Canadá – EEUU – Vermont – Seattle.
• “Master Class” de una semana por distintas escuelas de música de Francia.
• Tournée Argentina. La Trastienda. Grabación de un nuevo disco.
2002:
• Conciertos en L’Olympic de París con su cuarteto.
• Filmación en Oberá – Misiones para la TV francesa.
• Actuaciones en Francia, Quebec, Canadá e Italia.
• Participación especial de la Fête de la Musique.
• En Suiza y jardín de Luxemburgo de París.
• Tournée Argentina. Presentación en el Teatro ND-Ateneo. Grabación en Buenos Aires del CD “Confidencial”.
2003:
• Conciertos en el interior de Francia, Bretaña, Toulon, Bordeaux.
• Tournée Japón con Pedro Soler por Austria, Viena, Munich.
• Tournée País Vasco.
• Tournée Italia.
• Concierto en vivo para France Musique de Radio Francia.
• Presentación del CD “Cherogapé” en Argentina, conjuntamente con el estreno del film “El sentimiento de abrazar” de Silvia Di Florio, dedicado a reflejar el trabajo de Barboza.
1489 - Mateo & Cabrera - 1987 - Mateo & Cabrera (CDR) (Emanuel Viniloook)
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(2012-2026)
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1488 - Oveja Negra - 2012 - Mientras Vamos Viajando
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1486 - Louis Armstrong - 1992 - From the Big Band to the All Stars (1946-56)
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Este es el tercer y último álbum doble dedicado a las obras completas de Louis Armstrong para RCA–Victor. El primer volumen, “Young Louis Armstrong”, está disponible en el RCA francés PM 43269; y el segundo, “The Complete Town Hall Concert, May 1947”, en PM 45374. “From the Big Bang to the All Stars” nos lleva a través de la transición implícita en ese título, destacando la reorientación de la carrera de Louis durante la segunda mitad de los años cuarenta, cuando volvió a liderar un pequeño grupo.
Aunque la formación se parecía quizá a la de una banda de Nueva Orleans, es importante subrayar que Louis no tocaba en el estilo típico de Nueva Orleans, ni lo había hecho realmente desde que partió hacia Chicago para unirse al grupo de King Oliver en el verano de 1922. Louis era un trompetista de inmenso estilo y creatividad, esencialmente un virtuoso solista, un innovador, un genio. Su estilo era, simplemente, el estilo Armstrong.
Del gran conjunto al pequeño grupo.
Aunque la mayoría de los discos de Louis durante los años veinte fueron realizados con pequeños grupos de estudio, él ya trabajaba y grababa con grandes orquestas (Fletcher Henderson, Erskine Tate, Carroll Dickerson). Para 1929, la moda de las orquestas más grandes era tal que Louis decidió dedicar su carrera al trabajo con big bands.
Sin embargo, hacia finales de los años treinta el interés por las big bands comenzó a disminuir, un cambio que tomó fuerza durante los primeros años cuarenta. Las razones eran múltiples. Una de las más importantes, sin duda, fue un cierto deseo de volver a las raíces. Para 1940 el jazz había entrado en la adultez y, mientras continuaba su avance irresistible hacia el futuro, mostraba un impulso irreprimible por investigar y reflexionar sobre su pasado. Así, las corrientes más nuevas de la música coexistieron con el fenómeno revivalista.
El revivalismo había surgido a finales de los años treinta (grabaciones de la Original Dixieland Jazz Band; la proliferación de grupos dixieland dentro de las mismas big bands; grabaciones en estilo Nueva Orleans supervisadas por Hugues Panassié; el redescubrimiento de artistas como Tommy Ladnier, Sidney Bechet, Johnny Dodds y Jimmie Noone), pero fue durante los años cuarenta cuando adquirió más consistencia. Expediciones…
Se lanzaron iniciativas para recorrer los estados del sur en busca de artistas olvidados, y los jóvenes entusiastas de la Costa Oeste fundaron sus propios grupos de dixieland. Todo esto inevitablemente resultó en un regreso al repertorio antiguo, idealmente adaptado a conjuntos de 6 o 7 músicos.
En el fondo, Louis Armstrong nunca había olvidado esos primeros días en su natal Nueva Orleans y los años subsecuentes de éxito en Chicago. Si la verdad fuera conocida, estaba deseando volver al repertorio de antaño, pero antes de hacerlo debía asegurarse de que su audiencia lo seguiría. De hecho, una gran parte de ese público estaba madura para ese cambio; y la película “New Orleans”, en la cual Louis actuó, probaría serlo.
Otra causa determinante del declive de las big bands en favor de conjuntos pequeños, especialmente durante los años posteriores a la guerra, fue la presión económica. Earl Hines —viejo compañero de Louis, futuro miembro de los All Stars y líder de una big band durante veinte años— recordó en una entrevista cómo, en ese tiempo, los locales se volvían cada vez más pequeños y los viajes más costosos, haciendo a las big bands menos viables. Ernest Anderson, quien organizó el Concierto de Town Hall de Armstrong en mayo de 1947, relató que Louis tocó docenas de fechas con big bands durante 1945 y 1946 sin ganar dinero. La tentación de recurrir a pequeños grupos de músicos de primera línea era enorme.
Entre 1946 y 1950 la mayoría de las big bands desapareció. Unas pocas, cuyo repertorio se basaba en un nuevo principio de una orquesta más ligera (el ejemplo más notable es Duke Ellington), lograron nadar contra la corriente. Pero otros —como Fletcher Henderson, Jimmie Lunceford, Cab Calloway, Earl Hines e incluso Count Basie— se vieron obligados a aceptar lo inevitable. Entre los recién llegados a la escena, Dizzy Gillespie intentó adaptar conceptos modernos a la estructura de big band; pero aunque musicalmente fue un enorme éxito, económicamente fue una operación marginal, y el experimento estuvo a punto de desaparecer en cinco años.
En cuanto a grandes solistas como Coleman Hawkins y Louis Armstrong, quienes habían dirigido esfuerzos artísticos hacia las big bands principalmente porque era lo que estaba de moda, eran hombres que solo esperaban volver al formato más pequeño.
Performance and rewards.
Durante la segunda mitad de los años treinta, revistas musicales estadounidenses como Esquire y Metronome comenzaron a organizar encuestas de críticos y lectores, abriendo el camino para sesiones de grabación para los ganadores. Al principio (1936-38), los músicos blancos ocupaban los primeros puestos; pero hacia 1939-40 los instrumentistas negros finalmente alcanzaron el lugar que merecían.
Durante la guerra, el sistema fue aún más exitoso: la recompensa anual incluía no solo sesiones de grabación sino también un concierto para los ganadores, cuyo acceso se hacía mediante la compra de bonos de guerra. Louis Armstrong fue ganador destacado en 1944, 1945 y 1946. El concierto de enero de 1944 se realizó en la Ópera Metropolitana de Nueva York; al año siguiente se decidió realizarlo simultáneamente en tres ciudades diferentes: Nueva York, Los Ángeles y Nueva Orleans —con Louis naturalmente invitado a aparecer en su ciudad natal.
En enero de 1946, Leonard Feather organizó una sesión de grabación para los ganadores en los estudios de RCA en Nueva York. Sin embargo, reunir un conjunto de estrellas no garantiza resultados estelares; y aunque esa sesión produjo el primer encuentro grabado entre Armstrong y Ellington, la música (Long, Long Journey y Snafu) es relativamente discreta, con Armstrong pareciendo algo incómodo. Aun así, nunca nos lamentaremos lo suficiente que Louis nunca haya tenido la oportunidad de grabar con la orquesta completa de Duke.
Last big band and happy reunion
Louis Armstrong, que desde 1935 había trabajado con el apoyo permanente de la orquesta de Luis Russell, formó una agrupación completamente nueva en 1944; y con esta banda grabó cinco temas para RCA el 27 de abril de 1946. No Variety Blues incluye su primer dueto vocal grabado con Velma Middleton, quien permaneció con Louis desde 1944 hasta su muerte durante una gira de los All Stars por África en 1960. A menudo criticada por oyentes más serios, el buen humor de Velma proporcionó el complemento perfecto para Louis. Esa misma sesión produjo la primera versión —y una de las mejores— de Back o’Town Blues, un número que Louis mantuvo en su repertorio regular hasta el final.
Septiembre-octubre de 1946 encontró a Louis en Hollywood (junto con Billie Holiday, entre otros) para la filmación de “New Orleans”. Grabó prolíficamente para la banda sonora, pero se hizo poco uso de esa maravillosa música en el propio film. Durante los primeros días de filmación, el 6 de septiembre, la pequeña banda reunida para la película tuvo una sesión para emitir algunos temas en disco. Desafortunadamente, los cuatro resultantes (I Want a Little Girl, Sugar, Blues for Yesterday y Blues in the South) no podían, por razones contractuales, ser publicados por RCA en Europa. En la siguiente sesión, el 17 de octubre, se grabaron varios temas más, también destinados a ser editados en disco. En realidad, fueron lanzados al mercado mucho antes que la propia película. Los dos primeros fueron interpretados por la big band: Endie (el nombre cristiano de Billie Holiday en la película) y The Blues Are Brewin’ (que en la película es cantado por Billie, con la trompeta de Louis).
La filmación, junto con la sesión del 6 de septiembre, reestableció contacto entre Louis y sus viejos compañeros de Nueva Orleans y Chicago: Kid Ory, que había tocado con él en 1918 y en las grabaciones de los Hot Five de 1925-27; Barney Bigard, quien había grabado con Armstrong y Johnny Dodds en 1927; el pianista Charlie Beal, que en 1933 reemplazó a Teddy Wilson; el bajista Red Callender; y el baterista Zutty Singleton, miembro de los Hot Five de 1928. Sin embargo, Louis y Zutty tuvieron desacuerdos durante la filmación, así que el 17 de octubre Satchmo lo reemplazó con otro veterano, Minor Hall.
Esa sesión produjo cuatro temas, aunque no hay rastro de Farewell to Storyville, una composición de la película. De los otros tres, Mahogany Hall Stomp es un clásico; Do You Know What It Means to Miss New Orleans y Where the Blues Were Born in New Orleans fueron creados especialmente para la película. Louis toca con frescura y poder asombrosos, demostrando que estaba más que listo para regresar al pasado. Sin embargo, una vez más se llamó a la big band —pero por última vez— para grabar cinco títulos en Nueva York el 12 de marzo de 1947, incluyendo I Wonder, I Wonder e I Believe, quizás los más impresionantes.
The “All Stars”
Un mes antes de esa sesión, el 8 de febrero de 1947, Louis dio un concierto en Carnegie Hall en dos partes: primero con el pequeño grupo de Edmund Hall y luego con su propia big band. Al final cantó un dúo con Billie Holiday en Do You Know What It Means…. Sirvió no solo como publicidad para New Orleans, sino también como una especie de despedida de la big band. La orquesta de Louis no se disolvió oficialmente hasta principios del verano de 1947, pero esa sesión del 12 de marzo fue su última aparición en disco.
Louis ahora prefería trabajar con pequeños combos. En abril de 1947 ya estaba tocando con Wild Bill Davison y George Brunis. El enorme éxito del Concierto de Town Hall en mayo lo animó a seleccionar a las mismas figuras: Bobby Hackett, Jack Teagarden, Peanuts Hucko, Dick Cary y Sid Catlett. Los tres últimos fueron llamados para la siguiente sesión de grabación el 10 de junio. La idea de un grupo “All Star” ya existía, pero Louis aún necesitaba definir la formación final. Fue entonces cuando resultó fácil para él renunciar al respaldo que le ofrecía la big band y sus arreglos.
La primera versión de Jack-Armstrong Blues muestra a Louis tocando con enorme intensidad y poder. La presencia de guitarrista Al Casey y los saxos de Hackett y Ernie Caceres dan al conjunto un aire de big band. Esta versión particular de Someday (You'll Be Sorry), grabada por Louis en plena noche, no solo es la primera sino quizás la mejor de todas. Recuerda en cierto modo al Basin Street Blues de 1928 con Earl Hines, gracias al celeste de Guarneri que da un aire maravillosamente etéreo. Jack Teagarden está exquisito, complementando perfectamente a Louis.
En agosto de 1947, durante la filmación de A Song Is Born, Louis volvió a la Costa Oeste. Se encontró allí con las estrellas Benny Goodman, Lionel Hampton, Charlie Barnet y Tommy Dorsey. El tema principal se incluye en dos versiones en la película. La primera se grabó directamente en el set: una versión sencilla con un coda especial donde Louis toca con enorme maestría. La segunda ofrece una coda ortodoxa sin la parte humorística final, grabada con el Golden Gate Quartet y con una línea vocal de Jeri Sullivan, doblando a Virginia Mayo. Las ediciones posteriores fueron recortadas a 8, 16 o 24 compases.
Varias fuentes datan A Song Is Born en agosto de 1948. Sin embargo, recortes de prensa de agosto y diciembre de 1947 revelan que se filmó ese año, aunque no se estrenó hasta finales de 1948.
Durante agosto de 1947, mientras filmaba A Song Is Born, Louis apareció en el club de Billy Berg en Hollywood. La banda parecía complacerlo, per por el 9 de ese mes, el Chicago Defender anunció este como la nueva formación regular de Louis, citando los nombres de Teagarden, Catlett y Hines, y aunque Earl se mantuvo un tiempo más con su propia orquesta, en realidad no se unió a Louis hasta principios de 1948. Por lo tanto, este grupo aún no era completamente los All Stars, pero estaba muy cerca de serlo.
Ese grupo de Hollywood, apenas modificado, fue usado para la sesión de grabación de Louis en Chicago el 16 de octubre de 1947. Ninguno de los cuatro títulos grabados ese día (ni siquiera A Song is Born) permaneció en el repertorio, ya que los músicos de Louis pronto se volcaron a material más tradicional. Pero aquí, por primera vez, como se proclamó oficialmente en los discos, se decía "Louis Armstrong y sus All Stars". Todos los músicos ya estaban presentes, con la excepción de Hines, y esta fue la formación instrumental que Louis mantendría hasta el final de su carrera. Como ocurrió, no se hicieron grabaciones comerciales con Hines y Catlett juntos en la sección rítmica de los All Stars; las grabaciones de 1947 tenían a Dick Cary en piano, y para el siguiente corte oficial en 1949, Cozy Cole reemplazó a Big Sid. Sin embargo, se los puede escuchar juntos en algunas grabaciones de conciertos en vivo disponibles ahora.
¿Y la gran banda?
Durante los años 50, Louis ocasionalmente hizo algunas grabaciones con grandes bandas, pero estos eran grupos de estudio.
Sesión misteriosa
Los discógrafos se refieren a una sesión en la Costa Oeste de Louis Armstrong y sus All Stars a finales de 1947. Ninguno de los registros muy precisos y cuidadosamente documentados de los estudios californianos de RCA revela algún indicio de una sesión real, ni siquiera una que podría haber producido material inédito. La única conclusión razonable que se puede sacar, por lo tanto, es que se planeó una sesión de grabación, pero nunca se llevó a cabo.
Una sesión que sí tuvo lugar, por otro lado, es la del 8 de diciembre de 1932, en Camden. De hecho, todos los títulos que produjo fueron incluidos en el primer volumen de esta serie. Todos, excepto la segunda versión bastante diferente de Hobo, You Can't Ride This Train, que acaba de resurgir. Por lo tanto, la estamos añadiendo como una adecuada coda a este volumen final, para que las grabaciones de Louis Armstrong para RCA ahora estén, finalmente, disponibles en su totalidad. Una tarea agradable que se acomete con gusto.
El presente texto es una traduccion de la adaptacion en ingles realizada por Don Warehouse, de la produccion originl del mismo realizada por Jean-Paul Guiter (en frances) 1984, texo que acompaña la publicacion del presente album doble, publicado con formato de periodico tabloide.
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1483 - Palito Ortega - 1992 - Cronología
Cumpleaños 14 De La Batea - 39 Albumes
(2012-2026)
CRONOLOGÍA – LA HISTORIA DE PALITO ORTEGA
Ramón “Palito” Ortega es uno de esos personajes de leyenda que los norteamericanos suelen describir en los cuentos de hadas como “rags to riches” (de harapos a riquezas). Nacido en Lules, en la Provincia de Tucumán de la República Argentina el 8 de marzo de 1941, como segundo hijo de un obrero azucarero del ingenio Mercedes, de niño vendió diarios en su pueblo. Trabajando como cadete en un negocio, ahorró lo suficiente como para pagarse un viaje a Buenos Aires hacia donde partió a los 15 años.
En la gran ciudad trabajó de cadete, lavacopas, empleado y vendedor de café en un canal de televisión. Allí conoció a la banda de Carlinhos, convirtiéndose en cuidador de sus instrumentos y aprendiendo solo a tocar la guitarra. Comenzó a componer temas y cambió su Ramón Bautista Ortega natal por el seudónimo de Nery Nelson. Intentando imitar a su ídolo, Elvis Presley, logró cantar en conjunto, actuar en radio, hacer giras por el interior y hasta actuar en un circo en Chile, además de grabar un simple en el sello Azteca.
La puerta de la fama, se le abriría al volver a Buenos Aires donde conoció a Dino Ramos, con quien creó un dúo rotoral. Ramos lo llevó a la RCA Víctor donde actuaron grabando dos simples que fueron editados con el nombre de Palito Ortega.
El golpe de suerte fue que lo incluyeron en un exitoso programa de TV en Canal 13, dedicado a la música joven, “El Club del Clan”. Siendo uno de los últimos en integrarse al grupo, Palito se desenvolvía tímida y silenciosamente, y rara vez sonreía. Ese “look” triste y lo pegadizo de sus canciones pronto lo convirtieron en el favorito del público, pasando a ser la figura máxima del programa, consagrándose definitivamente al pasar con el núcleo del Clan al Canal 9 y al programa “Sábados Circulares”.
Muy pronto tardó en llamarlo “Rey”, y junto a su contrapartida femenina Violeta Rivas filmaron “Fiebre de primavera”, dándole inicio a una saga de películas que le dieron trascendencia internacional. Palito no sólo compuso canciones para él y ella, casi siempre en dupla con Dino Ramos, sino con Chico Novarro, María Elena Walsh, y hasta con Leo Dan, su “rival” santiagueño.
Ganó el Festival de la Canción de Piriápolis en 1966 con el tema “Convivir” y grabó discos en México, en los estudios de la RCA en Nashville, Roma y Londres, donde filmó junto a Graciela Borges el film “Un Rey en Londres”.
Pronto, artistas de la talla internacional de Raphael, Marisol, Franck Pourcel, Lucho Gatica, Olga Guillot, Ray Conniff, Sergio Murilo, Vicente Valdéz e Iva Zannichi, comenzaron a grabar sus exitosos temas.
Hacia 1971, Palito ya había acumulado 12 simples y 2 LPs, de oro y hasta uno de platino (algo inusual entonces) y más de 50 premios internacionales incluido el de compositor en el Midem de Cannes en 1968. Sus espectaculares shows de TV (que incluían fotografías de los moves de Elvis en los EE.UU.) le sirvieron de lanzamiento de sus sucesivos álbumes que se editaron en los más recónditos lugares del planeta, a donde llegaba sea en giras como a través de numerosas películas que filmó como actor y hasta director.
Convertido en empresario, creó Chango Producciones, lanzó artistas nuevos como Raúl Padovani junto a su amigo y compañero del “Clan” Lalo Fransen, y consiguió traer a Frank Sinatra a la Argentina. Poco más tarde centró sus actividades en Miami, EE.UU., para volver a la Argentina elegido como Gobernador de su provincia natal, Tucumán.
Treinta años después de su debut, los temas de Palito Ortega permanecen intactos en la memoria del público, quien los canta en los estadios de fútbol, los encuentros políticos y las estudiantinas. Esta cronología intenta rescatar algunos de los más recordados.
Texto del Cd por: RAFAEL ABUD
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(2012-2026)
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