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miércoles, 3 de septiembre de 2025
domingo, 20 de julio de 2025
4199 - Manos Hadjidakis - 1960 - Never On Sunday Soundtrack (Edit. 1998)
Notas originales del álbum
Ilya (Melina Mercouri), una joven y hermosa mujer que vende sus encantos en el puerto de El Pireo, se adhiere firmemente a un principio: sus clientes deben agradarle. La tragedia griega es su única debilidad y anualmente suspende sus actividades durante la temporada de festivales. Los textos clásicos tienen un significado personal para ella, incluyendo un final feliz para la historia de Medea.
Un día, Homer (Jules Dassin), un estadounidense, llega a El Pireo en busca de la Verdad. Atraído por la música del Bouzoukia, va a una taberna abarrotada donde Ilya está bailando y cantando con sus amigas. Para Homer, ella personifica Grecia y está convencido de que su historia proporcionará una explicación para la caída de la antigua civilización.
Decide reformar a Ilya y logra persuadirla para que abandone a sus amantes y logre alegrías más profundas. Su decisión de "retirarse" deleita a Noface (Alexis Salomos), un empresario que explota a todas las demás prostitutas y que se ofrece a subsidiar el programa de Homer porque la independencia de Ilya ha sido un mal ejemplo para sus chicas.
Ilya encuentra tediosas las enseñanzas de Homer y a menudo se sumerge en sueños nostálgicos. No obstante, resiste el familiar llamado de los barcos que entran al puerto.
Un día, su amiga Despo (Despo Diamantidu) le revela el pacto entre Homer y Noface. Movida por la venganza, Ilya lanza una revuelta de prostitutas, que incluye una huelga general.
Para celebrar su regreso a la profesión, corre al Bouzoukia, donde encuentra a Homer todavía buscando la Verdad. Él está de mal humor y los amigos de Ilya se burlan suavemente de él. Pierde la paciencia, amenaza con pelear con uno de ellos y de repente abandona su coraza académica. Luego decide abrir los ojos a lo que realmente es la vida y se une a la fiesta: riendo, cantando y bailando con los demás.
Antes de regresar a Estados Unidos, descubre en Grecia que la verdadera Verdad reside en el gozo de vivir.
Para apoyar el agradable y atractivo ambiente de Nunca un domingo (Never On Sunday), Jules Dassin seleccionó a Manos Hadjidakis para proveer la banda sonora. Los créditos profesionales de Hadjidakis incluyen una serie de partituras para teatro legítimo, una serie de conciertos, un ballet y una cadena de películas griegas, todo antes de cumplir los 30 años.
En Nunca un domingo, el compositor se aparta de sus serias tendencias sinfónicas para crear lo que describe como un "nuevo sonido" utilizando el Bouzoukia, un instrumento folclórico griego típico, como base temática central. A través de esta técnica instrumental, el compositor ha logrado expresar la simplicidad, la alegría y el gozo de la vida en la Grecia moderna.
La actriz Melina Mercouri, que protagoniza junto a Dassin la película, canta la música de Nunca un domingo, que Hadjidakis interpoló en la banda sonora del film. Este interludio musical ayudó a Mercouri a alcanzar un éxito sorprendente en el Festival de Cine de Cannes. La sabiduría especial de quienes veneran el pasado pero celebran el presente conspira para hacer de esta película, y de esta banda sonora, un pequeño milagro de deleite.
El público de la época estaba tan acostumbrado a la palabra "prostituta", y de manera tan casual, como lo estaba durante el tiempo de emisión de esta comedia romántica escrita por el director Jules Dassin. Dassin se interpretó a sí mismo como el protagonista romántico poco convencional de la película, un profesor de filosofía algo nerd con el nombre revelador de Homer Thrace. Visitando las islas griegas en una misión académica para descubrir el significado de la felicidad, Homer inmediatamente ejerce lo que será una continua demostración de pobre diplomacia cultural cuando aplaude un baile de luto de una griega ebria, lo que lleva a una pelea que se rompe rápidamente por la presencia tranquilizadora de Ilya. Homer se enamora de la prostituta atrevida a primera vista, pero hay algunos problemas que superar.
Primero que nada, Homer parece tener toda una isla llena de rivales, ya que todos los hombres en El Pireo están bajo el control de Ilya, incluyendo a su principal pretendiente, el mundano y varonil pescador Tonio (George Foundas). El verdadero problema, sin embargo, es la actitud de Homer. Está horrorizado por la ocupación de Ilya, su falta de modestia (ella exhibe su cuerpo diariamente con un escandaloso traje de baño de dos piezas anticuado) y su optimista visión de la vida. Homer, un experto en drama griego antiguo, está particularmente sorprendido al descubrir que Ilya es una espectadora obsesiva de las tragedias griegas, pero ella está convencida de que todas estas obras tienen finales felices, incluyendo Medea ("Medea no mató a los niños", insiste Ilya mientras observa el telón de la obra con Homer: "¡Ahí están en el escenario!"). Homer determina que debe "educar" a Ilya, y comienza la batalla de voluntades al estilo Pygmalion.
Homer no tiene ninguna oportunidad. Aunque la situación (y la actitud de Homer) pueda parecer condescendiente para el público moderno, el trasfondo de Never On Sunday muestra un tipo de feminismo naturalista y de base popular. Cuando Homer profesaba su devoción por el filósofo Sófocles, Ilya denuncia al griego antiguo como un misógino. Mientras Ilya simbolizaba el poder de la naturaleza y del amor sobre el intelecto, era perfectamente capaz de derrotar a Homer en la arena de la lógica: cuando el aspirante a filósofo ridiculiza a un músico local por su incapacidad para leer música, Ilya lo saca de su depresión argumentando que la música existía mucho antes de la notación musical: "¿Los pájaros leen música?". Al final de la película, es Homer quien recibe la educación.
Jules Dassin montó Never On Sunday con energía y un evidente amor por la cultura griega, personificado en Melina Mercouri. Con su cuerpo lánguido, voz ahumada y risa, y sus rasgos algo angulares, Mercouri aportó a su papel una mezcla atractiva de obstinada ingenuidad y mundanalidad. Dassin se entregó al papel de Homer con la compostura casi abrasiva requerida; sus grandes ojos, manierismos espásticos, complexión ligera y voz barítono seria evocaban una mezcla entre los personajes creados por los actores Don Knotts y Everett Sloane. El reparto de apoyo de actores griegos añadió un ambiente convincente, y Dassin (junto al cinematógrafo Jacques Natteau) aprovechó de manera evocadora sus ubicaciones, particularmente en algunas escenas nocturnas atmosféricas entre las ruinas de la antigua Grecia.
Dassin comenzó una prometedora carrera en cine negro en los años 40, logrando algunos clásicos del género como Brute Force (1947), The Naked City (1948) y Night And The City (1950); también obtuvo reconocimiento por adaptaciones literarias como The Tell-Tale Heart (1942) y The Canterville Ghost (1944). En los años 50, Dassin amplió su currículum; se interpretó como César en la película Rififi (1955), una película que escribió y dirigió. A partir de ese momento, Dassin escribió los guiones de todas sus películas, con la excepción del filme Topkapi y su película final, el romance entre May-December Circle Of Two (1980), que destacó por emparejar a Richard Burton con Tatum O’Neal. Dassin recibió una nominación al Oscar® por dirigir Never On Sunday, y la película misma ganó el Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes en 1960.
El papel de Dassin en Never On Sunday fue más personal de lo que se podría pensar. Su personaje Homer Thrace se identifica como originario de Connecticut, lugar de nacimiento real de Dassin. La película trata sobre el cortejo de Homer a Melina Mercouri, la actriz con la que Dassin ya había trabajado en He Who Must Die (1957) y Where the Hot Wind Blows (1958). Continuaron colaborando en películas de Dassin, incluyendo Phaedra (1962), Topkapi (1964) y 10:30 p.m. Summer (1966). Para entonces, la colaboración adquirió un carácter más íntimo: se casaron y permanecieron así hasta la muerte de Mercouri en 1994 por cáncer de pulmón. Mientras estaban casados, realizaron dos películas adicionales juntos, Promise At Dawn (en la que Dassin también actuó, como en Never On Sunday) y A Dream Of Passion.
Melina Mercouri tenía 40 años cuando hizo Never On Sunday; había tenido su primer papel en pantalla en Stella (1955), y además de sus numerosas colaboraciones con Jules Dassin, apareció en películas como The Gypsy and the Gentleman (1958), The Victors (1963), The Uninhibited (1965), A Man Could Get Killed (1966), Gaily, Gaily (1969), Jacqueline Susann’s Once Is Not Enough (1975) y Nasty Habits (1977). Mercouri se destacó como un símbolo de la Grecia libre y fue activa más allá de sus papeles cinematográficos. Interpretó a Blanche du Bois en Un tranvía llamado Deseo en el Karolos Koun Art Theatre en 1948 y fue la primera actriz en interpretar a Alexandra del Lago en Sweet Bird of Youth de Tennessee Williams en Grecia. En 1976 interpretó el papel principal en Medea de Eurípides y apareció en su último papel en el escenario como Klytaemnistra en Orestia de Esquilo en el teatro antiguo de Epidauro en Grecia. De 1993 a 1994 fue Ministra de Cultura, Juventud y Deportes de Grecia; sirvió como miembro del Parlamento griego de 1977 a 1992, y de 1981 a 1989 fue Ministra de Cultura y Ciencias de Grecia.
Nacido en Atenas en 1925, el compositor Manos Hadjidakis ganó un reconocimiento comparable al de su compatriota, el compositor Mikis Theodorakis. Durante los años 50 se convirtió en uno de los principales compositores griegos de música popular, y su enfoque pop fue un componente importante de su estilo de composición cinematográfica. Su primera banda sonora, Stella (también protagonizada por Melina Mercouri), fue una de las primeras en introducir la música de bouzouki a una audiencia internacional, y le trajo el reconocimiento de los espectadores estadounidenses. Se utilizó música más tradicional en A Girl In Black.
En 1960 ganó un Oscar por la canción principal de Never On Sunday, y su banda sonora para la película de robo de diamantes Topkapi también presentó melodías pop en la vena griega. Hizo una banda sonora orquestal más rutinaria para el western Blue, y su música programática también se introdujo a la audiencia estadounidense a través de épicas de espada y sandalia como The 300 Spartans y The Invincible Six. Hadjidakis permaneció activo en la composición cinematográfica hasta su muerte en 1994; a finales de los años 70 contribuyó con partituras para la aclamada serie de televisión The Cousteau Odyssey, y su último crédito cinematográfico como compositor fue en The Clearing (1993). Su música para Never On Sunday capturó perfectamente las raíces culturales del puerto de El Pireo, con su memorable tema principal apareciendo en varios momentos clave de la película (no menos importante cuando Mercouri canta la canción en griego).
Jeff Bond es editor gerente y crítico en jefe para Film Score Monthly: The Magazine of Motion Picture and Television Music.
https://mega.nz/file/p6wwlb5C#EmADkWJWUiR3LmVeUaUR-oqSTbnltobeVtGYfUuNQBU
jueves, 10 de julio de 2025
4190 - Barbara - 1967 - Barbara
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"Basta con haber visto una sola vez a BARBARA en el escenario para entender lo que este primer registro en vivo aporta de nuevo.
A aquellos que la descubren, es tanto la artista secreta y viviente, violenta y apasionada, introspectiva y popular, la que 'transita' a través de la grabación.
A quienes ya la conocen, es un complemento indispensable de los registros anteriores, un segundo espacio que se despliega, el de la escena donde BARBARA se lucha y encanta, donde circula un clima: los golpes de sus tacones sobre el suelo, las notas apenas rozadas al piano, la picardía de una inflexión acompañada de una mirada.
Ni siquiera el juego de luces, ni el movimiento de la cabeza y el cuello que se inclina hacia atrás, dejan de sentirse al escuchar esta 'retransmisión diferida' de un evento público, el de una mujer, de una artista comunicándose estrechamente con su público.
'Mi más bella historia de amor, sois vosotros', canta ella, como realmente lo siente. (Claude Dejacques)
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4185 - Objetivo Birmania - 1991 - Los Hombres No Ligan
Objetivo Birmania fue un grupo musical español que nació a mediados de los años 80, en plena efervescencia del pop nacional. La banda fue creada por Paco Gascón y Juanma Pradera en 1982 en Madrid, inicialmente como un proyecto de estudio con fuertes influencias del pop británico y el tecno-pop de la época. Su nombre fue inspirado por la película bélica estadounidense Objective, Burma! (1945).
En sus primeros años, el grupo contó con diversas vocalistas femeninas, ya que la idea de sus fundadores era mantener una imagen fresca y cambiante. La voz más reconocida de su primera etapa fue la de María del Prado, con la que lograron su primer éxito importante: “Los amigos de mis amigas son mis amigos” (1984). Su estilo era una mezcla de pop ligero, bases electrónicas y letras desenfadadas, muy representativo del sonido ochentero español.
A finales de los 80, tras varios cambios de vocalista, lograron otro gran éxito con “Desidia” y posteriormente con temas como “Los siete magníficos”. Durante los 90, continuaron renovando su imagen con nuevas cantantes (una de las más recordadas es Ana María Sandoval) y adaptándose a tendencias pop y dance.
Aunque el grupo original se disolvió en los 90, Objetivo Birmania ha mantenido su nombre en distintas formaciones y ha sido recordado como una banda icónica del pop español de los 80 y 90, especialmente por sus canciones alegres y pegadizas.
Etapa inicial (1982-1985)
Fundadores: Paco Gascón y Juanma Pradera.
Vocalista principal: María del Prado (voz principal de los primeros hits).
Éxitos destacados:
“Los amigos de mis amigas son mis amigos” (1984).
“Busca amores”.
“Estoy llorando por ti”.
Estilo: Tecno-pop muy marcado, con estética new wave.
Etapa de consolidación (1986-1989)
Vocalistas: María del Prado deja el grupo; se incorporan Lourdes Pérez y Mabel Álvarez.
Éxitos destacados:
“Desidia”.
“Otra dimensión”.
“Cazadores de hombres”.
Estilo: Pop más maduro, con toques de funk y arreglos más sofisticados.
Etapa “Los siete magníficos” (1989-1992)
Nueva formación: Ana María Sandoval (voz principal), junto con la renovación total de la imagen del grupo.
Éxitos destacados:
“Los siete magníficos” (gran hit de finales de los 80).
“Mi pequeño tesoro” (aunque más conocida por Presuntos Implicados, ellos hicieron una versión en directo).
Estilo: Fusión de pop con toques latinos y dance.
Última etapa (1993-1996)
Vocalista: Ana María Sandoval sigue como imagen del grupo.
Éxitos destacados:
“Me he enamorado de un fan”.
“No te aguanto más”.
Esta etapa estuvo más enfocada al pop comercial y dance para discotecas.
El grupo finalmente se disolvió a mediados de los 90.
Reuniones y legado (2000 en adelante)
Aunque Objetivo Birmania como tal no ha tenido una reunión oficial de larga duración, algunos de sus miembros originales han colaborado en proyectos revival de los 80.
Canciones como “Los amigos de mis amigas son mis amigos” se han convertido en himnos de la nostalgia ochentera en España.
4182 - Stephen Bishop - 1986 - Sleeping With Girls
4to Album de Stephen Bishop, ha contado con la colaboracion de los siguientes musicos:
Abraham Laboriel Sr, Brenda Russell, Carlos Vega, Dave Grusin, Eric Clapton, Greg Mathieson, Humberto Gatica, James Newton-Howard, Lee Ritenour, Leland Sklar, Marty Paich, Michael Boddicker, Nathan East, Paul Jackson Jr, Phil Collins, Stephen Bishop, Sting
2 Rhythm Of The Rain (John Gummoe) 04:19
3 Sleeping With Girls (Stephen Bishop) 04:59
4 Leaving The Hall Light On (Stephen Bishop) 05:12
5 Separate Lives (Stephen Bishop) 04:10
6 Mister Wonderful (Stephen Bishop) 04:01
7 Something New In My Life (Alan Bergman; Marilyn Bergman; Michel LeGrand) 03:08
8 Someone’s In Love (Stephen Bishop) 04:37
9 It Might Be You (Marilyn Bergman; Alan Bergman; Dave Grusin) 04:18
4181 - Paul McCartney - 1967 - The Family Way
Palabras del editor:
Siendo un baby boomer, fui uno de los que tuvo la oportunidad de ver The Family Way en el cine en 1967. Fui por dos buenas razones: la música fue compuesta por Paul McCartney y yo estaba enamorado... de Hayley Mills. Lamentablemente, solo conservaba una impresión vaga de esa experiencia y, cuando vi la película por segunda vez en 1993, me di cuenta de que en realidad la había olvidado por completo... excepto por Hayley Mills (En 1997, Hayley Mills estaba en Montreal, actuando en El Rey y Yo. Así que me aseguré de que recibiera copias de la interpretación de Carl. Ella estaba tan entusiasmada con ella, diciéndome que esa era la película que la llevó a casarse con Roy Boulting, que me pidió que enviara una copia a su hijo, Crispian Mills, en Londres.).
Junto al guitarrista canadiense Carl Aubut (THE FAMILY WAY – Variaciones Concertantes Opus 1 Carl Aubut, Claire Marchand, André Moisan, el Cuarteto de Cuerdas Claudel Philips Classic (1996) , decidí producir una nueva grabación del hermoso tema de Paul, Love In The Open Air, y esta aventura eventualmente nos llevó a conocer a Paul McCartney y a Sir George Martin en mayo de 1995 en Londres, durante el rodaje de una película para televisión (Los caminos musicales de Paul McCartney (1997), producido por Zaq y Tele Fiction.).
En 1997, Sir Paul McCartney sugirió que yo produjera una grabación del Liverpool Oratorio para un pequeño conjunto, lo cual hice con el Cuarteto Flûte Enchantée para el sello ATMA, e incluimos en ese álbum nuevos arreglos del tema de The Family Way para flautas.
Ahora XXI se complace en ofrecerte en el mismo CD la banda sonora original de 1966 de THE FAMILY WAY, compuesta por Paul McCartney, arreglada por George Martin e interpretada por la Orquesta de George Martin; las Variations Concertantes Opus 1 de Carl Aubut y los arreglos de Anthony Rozankovic interpretados por el Cuarteto Flûte Enchantée. ¡Feliz escucha! (Michael Laverdiero, editor)
Entrevista con Sir Paul Mc Cartney, (extractos).
Paul Mc Cartney: Los directores, los Hermanos Boulting, en realidad se acercaron a mí, uno de ellos, Roy, y estaba interesado en parte de la música que habíamos estado escribiendo. Me dijo: "¿Te interesaría escribir algo para una película?" Yo respondí: "Wow, un gran honor". Y ellos son muy buenos directores, directores ingleses bastante famosos, así que sabía que serían buenos y que la película sería buena, con un elenco muy bueno con John Mills, Hayley Mills y Hywel Bennett. Así que dije: "¡Sí, está bien! Pero necesitaría trabajar con George Martin, porque en realidad no sé escribir las notas y necesitaré la ayuda de George." Entonces me pidieron que lo hiciera y acepté. Nos mostraron algunas cosas, la atmósfera, y como era del norte de Inglaterra, de donde soy yo, inmediatamente pensé en bandas de metales, y había una buena conexión ahí porque mi abuelo estaba en una banda de metales, allá en Liverpool, y tocaba la tuba en mi bemol: ¡bum bum bum! Él tocaba eso, y a mí me gustan las bandas de metales. Así que sugerí que comenzáramos la película con una banda de metales y escribí la melodía para eso.
Michael Laverdiero : Esa fue, de hecho, la primera vez que componías oficialmente fuera del dúo Lennon-McCartney.
Paul Mc Cartney: Sí, y sabés, es curioso. Es cierto. Es curioso porque, hablando con Yoko recientemente, viste que hablás de todas esas cosas que pasaron hace tanto tiempo. Resulta que John no estaba contento, pero yo no lo supe hasta hace un año (1994). Siempre me dijo: “Está bien”. Porque él estaba actuando en una película, hizo una película llamada How I Won the War. Así que empezamos a hacer pequeñas cosas en solitario, solo por cambiar un poco, para tomar un descanso, y entonces le pregunté: “¿Te parece bien?” Y me dijo: “Sí, bien, bien”. Pero Yoko me contó que en realidad él se sintió un poco molesto por eso, porque probablemente esperaba que yo dijera: Lennon-McCartney escribirán esto juntos. Pero para mí era una buena oportunidad de alejarme un poco de lo que hacía normalmente. Pero Yoko me dijo que, al parecer, John estaba un poco dolido por eso. Lo cual es triste. Pero en realidad hablamos sobre el tema. Simplemente nunca me lo dijo en ese momento. Probablemente lo disimuló. Creo que si hubiera sabido que John estaba molesto, le habría pedido que se uniera a mí, podríamos haberlo hecho juntos. No habría habido ningún problema.
Michael Laverdiero : ¿Quedaste satisfecho con el resultado final?
Paul Mc Cartney: Sí, lo estuve. No quiero sonar demasiado satisfecho, pero estaba muy contento, porque era la primera vez que hacía algo así. Y podría haber salido terriblemente mal. Así que me alegró mucho que funcionara. Podrían haber dicho que no lo querían. ¡Eso hay que recordarlo! Cuando escribís para cine, pueden simplemente decir: “¡Eh, no, no!”. Así que me alegró que lo aceptaran. Funcionó. De hecho, ganó un premio Ivor Novello. Eso fue genial.
Entrevista con Sir George Martin (extractos)
George Martin: Por supuesto, le pidieron a Paul que lo hiciera y él me preguntó si yo podría encargarme de la escritura. Y fue una película bastante linda. Su idea principal, dado que estaba ambientada en el norte de Inglaterra, fue usar una banda de metales, como las que existen en esa región. Es algo muy inglés, del norte de Inglaterra. Así que su tema principal lo compuso pensando en una banda de metales. Pero había que hacerlo rápido. Calculé que tenía solo tres semanas para escribir, contratar a los músicos y producir las grabaciones. Como estaba en Nueva York con mi esposa, le dije: "Querida, cuando lleguemos a Londres, voy a tener una agenda de trabajo muy ajustada. Así que, ¿por qué no tomamos el barco en lugar del avión? Viajaremos en primera clase, el mejor confort, un servicio exquisito, cocina personalizada de alta calidad... cinco días navegando por el Atlántico..."
Carl Aubut: ¿Así que, en el Queen Mary, comenzaste a trabajar en las partituras de la banda sonora de The Family Way?
George Martin: ¡No, no! ¡Para nada! ¡En el Queen Mary lo único que hice fue llenarme la panza! (Ríe)
Y, por supuesto, no podía usar solo música de banda de metales para la película, porque era una película tierna, una película familiar, y necesitaba un tema romántico. Y eso era todo lo que él me había dado. Fui a verlo y le dije: "Mirá, tenés que darme más música. Quiero decir, mi material en bruto no es suficiente para construir toda la música de esta película". Y él me dijo: "Está bien, venite". Y estaba trabajando, a la vuelta de aquí, en su casa de Cavendish Avenue, a una distancia caminable desde acá. Fui hasta allí y él había estado trabajando en una canción con John Lennon para una grabación, no para The Family Way. Y le pidió disculpas a John diciendo: "George quiere que haga esto". Y en un abrir y cerrar de ojos escribió este pequeño tema de vals. Muy encantador —Love in the Open Air—. Le dije: "¡Eso es! ¡Eso es lo que quiero! Gracias. Chau". Se lo saqué rápidamente y fui a hacer el arreglo para cuerdas.
Carl Aubut - ¿Cómo te presentaba Paul su material?
George Martin: Bueno, por supuesto que Paul no lee ni escribe música, pero es un músico muy, muy bueno. Canta, toca la guitarra y el piano. Puede indicar claramente lo que tiene en mente. Fue muy claro sobre lo que quería de los metales. Quería el sentimiento del norte del país, quería el sonido de banda de metales. Con el tema de amor, me hizo una maqueta en ese momento, pero no tenía ideas específicas en mente. Pensaba, tal vez, en un poco de maderas y cuerdas. Y no fue una película demasiado difícil de musicalizar.
Hayley Mills:
Hayley Mills hizo seis películas para Disney. Una de ellas, The Parent Trap (Tú a Boston y yo a California), superó todos los récords de taquilla anteriores de Disney. En ese momento, Mills recibía hasta 10.000 cartas de fans por día. Entre rodajes, seguía viviendo en el Reino Unido. En 1967, Hayley Mills protagonizó la película The Family Way. La película incluía una toma en la que se veía su trasero mientras estaba en la bañera. "Yo era una cosita flaca que no parecía tener más de 12 años", dijo. "Es ridículo comparado con lo que se ve hoy en día. ¡Dios mío, lo que se ve!"
Esa escena de desnudo y su matrimonio con el director de la película, Roy Boulting —32 años mayor que ella—, marcaron el fin de su relación con Disney. Mills dijo que su matrimonio fue una historia de amor, no una declaración de independencia. "Podés ponerte freudiano sobre por qué me enamoré de él, pero la verdad es que lo hice." De ese matrimonio nació un hijo, Crispian, cantante de la banda británica Kula Shaker, y terminó en divorcio después de siete años. Luego, Mills convivió con el actor Leigh Lawson, con quien tuvo a su segundo hijo, Jason.
Elenco de The Family Way (en español "Luna de Miel en Familia)
Hywel Bennett
Nacido en 1944, Hywel Bennett fue un reconocido actor de cine y televisión en Inglaterra. Debutó en el teatro londinense interpretando a Ofelia en Hamlet —un papel femenino montado por el Youth Theatre—. A los 15 años, su voz aún no había cambiado. A partir de ahí, interpretó papeles de "jóvenes airados" en el teatro, y personajes astutos en el cine. Uno de sus papeles más famosos en el cine fue el primero: en The Family Way (1966), interpretó al esposo del personaje de Hayley Mills. Luego protagonizó muchas películas, entre ellas la antibélica The Virgin Soldiers (1970) y Percy (1973).
Curiosamente, Hywel Bennett finalmente interpretó el papel principal masculino en Hamlet en una producción teatral de 1974.
Cari Aubut
Nacido en la ciudad de Quebec, Cari Aubut se mudó a Montreal, compró un libro de canciones de los Beatles y aprendió a tocar la guitarra. Estudió música y obtuvo un certificado universitario. Influenciado tanto por la música pop como por el repertorio clásico, concibió una fusión de ambas tendencias para crear un estilo original.
La Flûte Enchantée
Fundado en 1985, el Cuarteto La Flûte Enchantée está compuesto por cuatro flautistas profesionales activos, todos graduados del Conservatorio de Música de Montreal. El repertorio del cuarteto es extenso y ecléctico. Extraído de muchos períodos musicales, sus programas incluyen obras originales para cuarteto de flautas, así como transcripciones inéditas de obras orquestales, ópera, ballet, música clásica y popular, y jazz. El cuarteto ha lanzado tres grabaciones bajo el sello ATMA y ahora graba para el sello XXI.
https://mega.nz/file/YvZEiA6S#5LO5GSP9ZCjAo2Iak98Y9J2cOgvfgHPCQfR6ugjUVR8
martes, 1 de julio de 2025
4176 - Muddy Waters - 1971 - Chicago-London
Con Otis Spann, Michael Bloomfield, Paul Butterfield, Donald "Duck" Dunn, Sam Lay, Buddy Miles, Rory Gallagher, Steve Winwood & Georgie Fame y muchos otros.
Chicago – Londres
Grabaciones originales digitalmente remasterizadas.
Muddy Waters (nacido McKinley Morganfield el 4 de abril de 1915 en Rolling Fork, Mississippi) cuenta entre los más grandes cantantes de blues de la posguerra. Con su incomparable primera banda —formada desde 1950 en adelante, con pioneros como Otis Spann, Little Walter y Jimmy Rogers— desarrolló el sonido del blues moderno de Chicago.
La música de Muddy es dura, más áspera y más profunda que la de sus contemporáneos. Especialmente su trabajo temprano es sutilmente misterioso, muy personal y con frecuencia impregnado de una intensidad ominosa.
A pesar de no haber conseguido ni un solo gran éxito después de 1956 (al menos no durante su vida), su autoridad e influencia perduraron por casi tres décadas.
Las razones abundan: una voz fenomenal, una presencia escénica imponente, la constante alta calidad de sus composiciones. Todo innegable.
Pero la verdadera clave está en que, año tras año, Muddy Waters siempre supo reunir grupos capaces de hacerle plena justicia a este estilo único.
Así como Miles Davis en el jazz, la banda de Muddy siempre fue una especie de campo de pruebas para músicos jóvenes. Prácticamente cualquiera que haya sido alguien en la escena del blues de Chicago pasó en algún momento por su grupo.
En realidad, las grabaciones de este CD provienen de un par de desvíos.
Aquí, Muddy se une con un número de sus imitadores-admiradores: jóvenes músicos blancos que se hicieron prominentes durante el boom del blues blanco a inicios de los 60 y que, bajo la influencia de Muddy Waters, terminaron obsesionados con el blues.
Para las sesiones de Chicago (publicadas inicialmente bajo el título Fathers & Sons) Muddy vuelve a estar acompañado por su pianista permanente, líder de banda y mano derecha, Otis Spann. Spann, por cierto, es de lejos el pianista solista más interesante de todo Chicago. Poco después de realizar estas grabaciones (en 1970) muere y por lo tanto no está en las sesiones de Londres.
Sam Lay es el baterista habitual del armonicista James Cotton. El bajista Donald “Duck” Dunn tiene un trasfondo bastante variado. Durante los años 60 fue miembro del cuarteto Booker T. & The MG’s, el famoso grupo residente del sello Stax en Memphis. En ese rol participa en innumerables clásicos del soul (Otis Redding, Sam & Dave, etc.).
En 1980 reaparece junto a Booker T., el guitarrista Steve Cropper, en compañía de los Blues Brothers. Mike Bloomfield y Paul Butterfield comienzan hacia 1965 en la Paul Butterfield Blues Band. Butterfield, que murió un par de años antes de que se escribiera este texto, es considerado uno de los armonicistas blancos más prominentes.
Bloomfield ha sido aclamado como el mejor guitarrista de blues-rock de Estados Unidos. También se le escucha en los discos clásicos de Bob Dylan Highway 61 Revisited y Blonde on Blonde. En 1981, con apenas 37 años, lo encuentran muerto en su auto; la causa nunca fue claramente establecida.
Para las sesiones de Londres, Muddy Waters se lleva desde Chicago a su guitarrista Sammy Layhorne y al muy prometedor Carey Bell. Con la sola excepción del virtuoso irlandés Rory Gallagher, el resto son fanáticos británicos del blues: Rick Grech es bajista del grupo Family; Winwood sigue con Traffic; Georgie Fame ha tenido un notable éxito en los 60 con sus Blue Flames; y Mitch Mitchell había sido baterista de Jimi Hendrix hasta la muerte de este el año anterior.
La explosión del blues blanco ciertamente contribuyó de manera decisiva a convertir a Muddy Waters en una estrella durante los 60. Lo sacó de los clubes negros y lo llevó a las grandes salas de conciertos, universidades y festivales.
Aun así, él veía estos cambios con sentimientos encontrados. Pensaba mucho sobre los jóvenes blancos que intentaban tanto comprender su música, pero no podía verlos como verdaderos cantantes de blues.
“¿Qué los diferencia?”, decía, “de gente como Howlin’ Wolf y yo mismo, es que nosotros hacemos lo mismo que hacíamos años atrás allá en Mississippi.
Estos chicos apenas están empezando, consiguiendo cosas y siguiéndolas.
Nosotros expresamos nuestras vidas, los tiempos duros y diferentes que hemos pasado.
Nada de eso es real para ellos: no lo sienten.
Yo, personalmente, no creo que se pueda sentir el blues hasta que no se han pasado por tiempos duros.”
Herman van der Horst
https://mega.nz/file/EyowBB5L#1MkzYA-B6fhVQNS1OE_iX0BnncKsbCznnRkgRxv7ySA
4174 - Lalo Schifrin - 1999 - Latin Jazz Suite
La “Latin Jazz Suite”
La “Latin Jazz Suite” es un viaje interior a diferentes paisajes de estilos musicales y danzas, que desde mi juventud temprana han despertado mi interés, tanto como intérprete como compositor.
Las danzas que he elegido tienen límites definidos. Mi tarea fue transformarlas para que se conviertan en vehículos de expresión musical de los solistas y de la banda.
I. MONTUNO
“Montuno” tiene una influencia claramente cubana. Sin embargo, los elementos del jazz impregnan todo este primer movimiento hasta el punto de que las progresiones armónicas se expanden como si fueran variaciones organizadas.
A través de este proceso, la banda crea una atmósfera que rodea a los solistas convirtiéndose en el trasfondo de sus improvisaciones o intercalando breves diálogos.
Solo durante la sección son-montuno la banda se convierte en el centro de gravedad del movimiento. En este caso, la armonía se reduce a una simplicidad cruda, lo que permite una complejidad de figuras rítmicas y una colorida orquestación.
II. MARTINICA
Este movimiento evoca a las islas del Caribe. El uso de la guitarra (sonidos apagados) y los efectos especiales del órgano son mi propia interpretación de los tambores metálicos tan prevalentes en la música caribeña.
Un tema melódico muy directo se contrasta con un puente que crea tensiones recurrentes en su estructura armónica, y continúa acumulándose hasta llegar a la bitonalidad entre la banda y los solistas.
Lentamente, las texturas musicales se despliegan en orden inverso, y la línea de bajo introductoria es reiterada.
III. PAMPAS
En “Pampas” exploro el uso de ritmos argentinos, que son una amalgama de influencias sudamericanas, indias, africanas y europeas.
Este tercer movimiento pinta la lucha humana dentro de un vasto espacio con horizontes infinitos.
Está construido alrededor de varios elementos: una introducción, un primer tema, un interludio recurrente y dos temas conectores.
Estas secciones y comentarios son interpretados por la orquesta y preceden a la recapitulación de los temas y motivos principales.
Finalmente, la coda es una contracción de la introducción, y la oscuridad cierra el ciclo de un día en las pampas.
IV. FIESTA
“Fiesta” es una celebración de alegría, euforia y esperanza. Un ritmo vivo aporta el impulso al tema, que tiene un sabor flamenco.
Los españoles trajeron la música gitana a América.
Dado que los gitanos son de origen hindú, escogí deliberadamente este lenguaje musical para extender las experiencias unificadoras de toda la suite.
No solo hay un fundamento fraternal implícito en el término “Latin Jazz” (las Américas), sino que también ofrecemos nuestro reconocimiento a los pueblos y culturas de África, Europa, India y los pueblos andoamericanos.
V. RITUAL
Como tributo a las raíces africanas del Latin Jazz, el quinto movimiento comienza con la reunión de la congregación Yoruba.
Oímos sus pasos, que son saxofones y trompetas tocando muy rápido las llaves de los instrumentos sin tono, y el resto de la banda produciendo sonidos muy suaves.
La calabaza y los tambores conga marcan el inicio de la ceremonia. Una flauta interpreta la introducción como una oración.
Quizás la esencia de toda la “Latin Jazz Suite” esté en este solo, que se repite a lo largo de la obra.
Elegí algunas escalas africanas de cuatro y cinco notas cada una, e incorporé notas adicionales de la escala cromática, dividiendo la octava en partes iguales (un procedimiento usado en la música europea del siglo XX).
En lugar de intentar imitar la música africana, trato de transmitir el sentimiento del lugar.
Las impresiones de cada movimiento son abstracciones de los diferentes puntos del viaje.
Tras el solo de flauta, comienza la danza en compás de 12/8 (bajo, tambores, percusión).
Los solistas enuncian un tema (a modo de canto).
La naturaleza de este movimiento es modal, y la fundamental en sol (G) permite un número infinito de escalas, lo que posibilita la improvisación libre.
La estructura es bastante abierta, y la banda, de vez en cuando, alterna figuras rítmicas y puntuaciones, con la reexposición del tema como canon.
Las diferentes texturas y dinámicas permiten un contrapunto mítico entre la excitación y la solemnidad.
VI. MANAOS
Desde principios del siglo XX, la música brasileña ha sido una pariente cercana del jazz.
El vigor y la energía de los ritmos del norte del exuberante universo brasileño son significativos.
Desde Bahía hasta el Río Amazonas (cantos de pájaros interpretados por las flautas), de regreso a Bahía y finalmente a Río de Janeiro y São Paulo, los temas y texturas viajan a través de un pulso lleno de vitalidad.
En una de las secciones, la banda se presenta como un gigantesco instrumento de percusión, y a los solistas se les da la oportunidad de expandir sus ideas hasta su máximo potencial.
La sensación general del movimiento es una cascada desafiante de sonidos que desborda los ecos del viejo Teatro de Ópera de Manaos, la legendaria ciudad otrora invadida por la selva y luego renacida, como si despertara por los murmullos de los vientos tropicales.
El mundo entero baila unido hacia un futuro en el que la tolerancia, la unión y la renovación espiritual tejen la trama de nuestras aspiraciones por un mundo mejor.
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