domingo, 4 de febrero de 2018
0769 - Javier Martinez - 1983 - Sol Del Sur
LAS 48 HORAS DE JAVIER MARTINEZ TOCANDO LA BATERIA
Yendo de Manal al Guinnes
Cómo fue la performance con que el blusero argentino recuperó el récord que había logrado en el 85
Con mUy poco público y una , buena cantidad de músicos, que en algunos casos sólo pasaron a saludar, Javier Martínez cumplió con la consigna que se impuso: batir el récord mundial de permanencia tocando la batería.
El ex Manal, que tiene 52 años, había anunciado que estaría tocando durante 48 horas. Y lo hizo, ingresando una vez más en el libro Guinness. Es que Martínez ya había marcado el récord en 1985, cuando en Francia tocó durante 41 horas. En esta ocasión, el maratón comenzó el jueves a las 21.45 y terminó el sábado a la noche, cuando el reloj indicaba que faltaba un cuarto para las diez.
El final lo encontró bastante entero físicamente y con ganas de festejar a pesar de la poca convocatoria. Lo recaudado por entradas, unos 3.000 pesos, fue donado a la Cooperadora del hospital Muñiz para su campaña de prevención contra el sida.
Esta larga y agotadora empresa no sólo le sirvió al baterista para ayudar al Muñiz y llamar al reencuentro del rock nacional, como anunció en la conferencia de prensa que ofreció el jueves a la tarde antes de iniciar su tour de forcé. Como en Francia, cuando buscó con su récord anunciarles a los argentinos y a los franceses que él estaba residiendo en ese país, esta vez Martínez también se propuso llamar la atención. Y aprovechó esta larga marcha para anunciar la.salida de su nuevo disco, Swing, para decir que comenzará a producir algunas bandas de músicos jóvenes y para promocionar su recientemente inaugurado lugar de encuentro para músicos y artistas, la casa de arte Evenos.
Musicalmente, Martínez entregó todo lo suyo durante sus dos días consecutivos de actuación. Tocó temas de Manal, canciones de su último disco y de sus otros discos solistas y largas zapadas sobre bases propias del jazz, del blues y de la música latina. Acompañado por tres bandas de apoyo (La Trova de Fin de Siglo; Jorge Pascuali y Nacho Smilari, y el trío de guitarras electroacústicas formado por Horacio Pozzo, Martín de Aguirre y Claudio Lafalse), el baterista consiguió que algunos de los músicos invitados (ver Presencias...) subieran al escenario aunque el público no estuviera presente.-
En el aspecto físico, Martínez fue asistido en todo momento por Claudio Plit, vicepresidente de la Asociación Mundial de Maratonistas y entrenador de María Inés Mato, la chica discapacitada que cruzó a nado el Canal de la Mancha.
Para el cierre, hubo palillos en alto y, tal vez, la sensación de que la tarea cumplida no había contado con muchos testigos. El récord fue declarado de interés cultural por la Secretaría de Cultura, y seguramente aparecerá en el libro Guinness del ; próximo año. Entonces es probable que algunos de los muchos ausentes juren y perjuren que estuvieron ahi.
Presencias y abstenciones
Con algunos nombres menos de los anunciados por la producción del evento, con muchos músicos con repentinos ataques de temor a subir al escenario, los invitados fueron desfilando, sobre todo de noche, por el Vilas Racket. Así pasaron, pero no subieron a tocar, Adrián Otero, Hilda Lizarazu, Víctor Heredia, Morís, Claudia Puyó, Antonio Birabént, Erica García y Javier Calamaro, entre otros.
Los que sí se animaron fueron Juanse (el primero), Fabiana Cantilo, Oscar Moro, Ricardo Mollo, Héctor Starc, Rodolfo García, Tito Losavio y Fernando Lupano. Willy Crook fue el más entusiasta: tocó en la tarde y en la noche del viernes. El anfitrión y músico part time Guillermo Vilas asistió junto a un búen número de amigos pero no tocó.
Los motivos de tantas abstenciones entre los músicos presentes pueden buscarse en el reglamento impuesto por Martínez, pegado en las paredes del lugar: no podían hablar con él ni tampoco sugerirle temas.
CLARIN • ESPECTACULOS
Lunes
23 de marzo dé 1998
0768 - Javier Martínez - 1993 - Corrientes
Javier Martinez
Baterísta busca record
El ex líder de Manal intentará romper la marca de permanencia frente a los tambores. Y proyecta filmar su propia versión de la vida de Tanguito.
¿Qué es lo que agrega a tu carrera este intento
de batir tu propio récord mundial de permanencia en la batería?
Rompe los hábitos, rompe las costumbres; es
un espectáculo. Y es una manera también de congregar músicos, amigos, gente que
hace mucho que no se ve. Desde hace un tiempo, el rock está habitado por una
serie de ondas negativas, de suicidio, de drogas pesadas que apuntan a la
muerte. Por eso es que un poco el mensaje, sin ponerme yo de ejemplo ni para
darle un consejo a nadie, es hacer una elección de vida.
¿Cómo es la preproducción del récord?
Empecé a organizar maratones en el boliche
que acabo de inaugurar, que también tiene sala de ensayo y estudio de grabación.
Al principio eran de seis horas, siguiendo siempre con la idea de descansar 10
o 15 minutos por hora. Y hace un mes organicé una que duró un día entero. Mi entrenador es el mismo de María Inés Mato, la chica discapacitada que cruzó a
nado el Canal de la Mancha.
“Soy un genio". A quien lo quisiera escuchar,
el Javier Martínez de tres décadas atrás se presentaba con la arrogancia del
que se sabía autor de un puñado de canciones tan fundacionales como inolvidables
dentro del rock argentino, al frente de Manal. Una voz y unos textos que
hicieron historia, tanto que en ese estilo de blues porteño siguen sin ser superados ni por sus
sucesores ni por el propio Martínez.
“Lo sigo pensando. Yo soy como Dalí: tengo mi
lado genial. Como ser humano soy humilde; como artista, un ególatrá total”,
insiste, pocos días antes de intentar batir el récord mundial de batería, una
marca que hizo suya allá por 1985 en Toulon (Francia) con confesadas
intenciones de hacerse un nombre en la Costa Azul, de la misma forma que no
tiene empacho en sostener que las 48 horas que intentará pasar frente a su
instrumento a partir del jueves en el Vilas Racket Club tienen como fin
promocionar su tercer disco solista, Swing.
¿Qué pasa si entre la gente que pasa por el
maratón coinciden Claudio Gabis y Alejandro Medina, tus ex compañeros de
Mana!?
Nada, porque saben que a menos que haya un
millón de dólares para mí solo, el trío no se reúne. Que se lo saquen de la
cabeza. Que lo lean los empresarios y que lo lea Claudio Gabis, que tiene
unas ganas bárbaras.de reunir a Manal. Y que mi público sépa que si quiere
escuchar aquellas canciones que me venga a ver a mí, que soy el autor y que
jamás renegaré de aquel máterial. Si quieren escuchar a Manal, que vengan a
ver a Javier Martínez.
Más allá de Manal y alguna colaboración con La Pesada del Rock and Rolll, tu carrera posterior no es muy prolífica. Son apenas tres discos en veinticinco años. ¿No te aferras demasiado a la nostalgia?
Más allá de Manal y alguna colaboración con La Pesada del Rock and Rolll, tu carrera posterior no es muy prolífica. Son apenas tres discos en veinticinco años. ¿No te aferras demasiado a la nostalgia?
Si puede ser, pero ahora tengo un estudio como tiene el Flaco (Luis Alberto) Spinetta y un sello independiente. A lo mejor, para compensar, saco 10 discos por
año. Tengo planificados varios discos de dúos: con Dino Saluzzi, con Fats
Fernández, con Pappo, con Spinetta...
¿Con Spinetta? Pensar que en una época se decía que eran como el Boca-River. del rock argentino.
¿Con Spinetta? Pensar que en una época se decía que eran como el Boca-River. del rock argentino.
A lo mejor nos enfrentó el público, pero
siempre nos respetamos muchísimo. Se decía que yo era el que retrataba las
cosas de una manera cruda, realista, y el Flaco tenía la onda surrealista.
¡Mejor! ¿Qué querían: que fuésemos lo mismo? Sería todo aburridísimo. El Flaco
es un genio, quizás uno de los mejores cantantes de rock del mundo. Hasta me
animo a decir que Sting le afana.
¿Cómo es eso de que vas a grabar de nuevo
el disco de Tanguito?
Es un poco la idea original que tuve como
productor artístico de aquel mítico disco. Iban a participar músicos de Almendra,
Los Gatos, Pappo’s Blues y Manal, la gente que lo rodeaba. Bueno, sobrevino su
trágica muerte y salió como salió. Tenemos la autorización de sus herederas
(la madre y la hermana) y es un proyecto a realizar como también una biografía filmica sobre su vida; no ese esperpento de Tango Feroz.
¿Y entonces por qué creés que le fue tan
bien a la película?
Porque es una morondanga, lo único que triunfa en la Argentina
Clarin Espectaculos
Lunes 16 de Marzo de 1998
0767 - Grateful Dead - 1989 - Built To Last
TRES MIEMBROS DEL
MITICO GRUPO VUELVEN A TOCAR
Los Otros Grateful Dead
El regreso
de Grateful Dead después de la
muerte de su líder, Jerry García, ocurrida el 9 de agosto de 1995, es
inminente. Tres de los miembros de la banda que marcó desde San Francisco la
era psicodélica junto con The Doors y le puso banda
de sonido al flower power
de la década del 60 regresan para compartir una gira. Bob
Weir, Phil Lesh y Mickey
Hart -a quienes se suma Bruce Homsby- formaron el grupo
“Reinterprétaremos
nuestra propia música”, explicó el baterista Hart, quien se incorporó al grupo
en 1968. Esa fue la primera frase pública a la hora de las justificaciones.
“Estamos mutando y haremos algunas de las cosas que nunca hicimos con los
Dead”, se extendió para expresar claramente el porqué de este regreso.
The Grateful
Dead fue la banda convertida en símbolo de trayectoria rockera estadounidense. Participó del hippismo de Woodstock y
de su correlato alternativo e itinerante en los noventa el festival Loollapalooza, y cuyas multitudinarias giras facturaron por encima de los 50
millones de dólares. Los Dead no volvieron a presentarse en vivo desde que su líder,
Jerry García, murió a los 53 años a causa de un paro cardíaco en un centro de
rehabilitción de drogadicción. Los miembros sobrevivientes tocaron juntos
solamente de manera informal en unas pocas ocasiones desde ese momento.
El productor de Nueva Jersey John Scher detalló que
la gira -que incluirá 25 ciudades estadounidenses y seis semanas de duración-
comenzará a mediados de junio. La banda se completará con el baterista John
Molo, del grupo de Hornsby, ya que Bill Kreutzman, el otro baterista de los
Dead, optó por no participar del proyecto. “Para mí ya es algo terminado”,
sentenció Hart. “Y cuando algo termina para uno, también lo hace para los
demás”, sostuvo.
En tanto, Bob Weir no ahorró elogios para el
guitarrista Stan Franks, que se sumará al grupo en el difícil rol de ocupar el
lugar de García. “Es un excelente instrumentista. No se parece en nada
a Jerry, y creo que eso es lo ideal. La única reminiscencia de él es que es
absolutamente versátil y capaz de explorar en cualquier dirección.” Dé hecho,
Franks luce dreadlocks, toca jazz junto al trompetista de vanguardia Don
Cherry, rapeó con Tupac Shakur y enseña técnicas de héavy metal. Hart se
extendió en algunas precisiones
Weir y Hart participaron de las dos últimas ediciones
del festival Furthur encabezando sus bandas solistas. Y el entusiasmo que
despertaron entre los acólitos de GrateM Dead parece ser la dave para interpretar
esta reunión. “Hay una gran expectativa -dice Hart-, Nosotros nunca seremos
Grateful Dead nuevamente. Pero estoy seguro de que podremos capturar el
sentimiento.”
ESPECTACULOS • CLARIN
Jueves 5 de marzo de 1998
JOEL SELVIN
0766 - Alejandro Del Prado - 2008 - Yo Vengo de Otro Siglo
Canciones Que Rinden Tributo A la Poesia
Bésale las piernas a la poesía
hasta que diga no,
que aquí nos pueden ver.
Bésale las palabras, hurga su lengua
hasta que abra los brazos,
y diga ¡Santo Dios!
O hasta que santo Dios abra los brazos
de escándalo, de furia,
bésale a la poesía,
a esa loba.
Aunque que diga que no,
que hay mucha gente,
que aquí nos pueden ver,
bésale las piernas, las palabras
hasta que pida más,
hasta que no dé más.
hasta que cante.
Poema de Jorge Boccanera / Música: Alejandro del Prado
Intérpretes: Alejandro del Prado y Litto Nebbia
Tras otro de sus prolongados y acostumbrados silencios, Alejandro del Prado cantó en Buenos Aires
En estos tiempos donde sobran las máquinas
programadas con un millón de instrumentos, hay que tener alma de taita para
sentarse solo en un escenario ancho y ajeno, sin otra compañía que la de una
guitarra. Hay que seguir respetando, valga, sin mucho respeto, á ese puñado de
viejos y nuevos temas para suplir con arreglos o con improvisaciones vocales
la ausencia de baterías, bombos, bajos, teclados, vientos.
Alejandro del Prado lleva puestos unos zapatos
de charol negro recién lustrados y una gorra que, en la cabeza de otra persona,
debería llamarse simplemente cup, pero sobre la testa de Del Prado se
convierte en un pase libre a la clandestinidad. Ese lugar donde Del Prado parece
empeñado en vivir desde hace más de diez años. Definitivamente, la gorra no le
sienta. Tampoco el silencio que lo llevó a no grabar un disco por algo más de
una década.
Solo, con una guitarra, Del Prado se quitará
en algún momento la gorra y volverá a ser Del Prado. Y, sin demasiadas
palabras, con una pizca de ansiedad, comenzará el recital. Entonces, La marcha
de la pelota, un tema viejo que pareaa necesitar de alguna percusión extra, se
cruzará con dos nuevos, excelentes, Tango e Hijo de un puerto. Entonces, el
poema de Raúl González Tuñón, Canción para vagabundos, que Del Prado grabó
junto a Saloma, en 1977, y tituló con el primer verso del poema, Salud a la
cofradía, da paso a Zamba por vos, de Alfredo Zitarrosa.
Más distendido, Del Prado hará que su mujer,
Susana, entre al escenario para alcanzarle una botellita de agua y se
permitirá el primer chiste privado de la noche. Dirá: “Si se entera mi
mujer...”. Después, llegan tres poemas de otros tantos poetas musicalizados “por
Alejandro del Prado cuando tenía 18 años, así que se puede decir que son de
otra persona”: La casa de mi vecino, de Osvaldo Ardizzone; lá milonga Carta... Buenos Aires, 15 de noviembre, de Jorge Boccanera, y La pieza donde velaron a Eloisa, de Raul Gonzalez
Tuñón. Hay algo curioso: no importa el gènero que Del Prado introduzca, siempre hay olor a
nostalgia en el ambiente. Y él acentuará esa sensación con una entrañable
versión del tango Vieja viola que, en cierto momento dé la letra, parece una
dedara-ción de principios. Sobre todo cuando inunda que "... y la fama es
puro cuento”.
El fervor con el que lo siguieron las casi 300
personas indica a las claras que, incluso a pesar suyo, Del Prado sigue
teniendo un público entusiasmado con esa zona fonteriza en la que el asienta su música. Allí donde milonga, candombe, murga y tango se dan la mano con la poesía
urbana. Hubo tiempo para otros temas nuevos, para una versión apagada de la murga Con los Coros del Lugar, y el esperado (y pedido) Bis, Los Locos de Buenos Aires.
La gente se quedó un rato hadéndo palmas,
pidiendo otro tema. Algunos gritaron titulos. se oyo a alguien que requeria Mariposa de lujo, se escuchó a quien instaba por La
murguita de Villa Real. Pero no hubo más. Del Prado se había puesto.. otra vez
la gorra, ya había mejorado el lustre de sus zapatos de charol, y marchaba
para su casa. Ahora sólo resta saber cuánto durará sü nuevo silencio.
Espectaculos Clarin
Lunes 31 de Marzo de 1997
0765 - Dino Saluzzi - 1995 - Rios
Dino Saluzzi.
Fueye De Exportación
Nació en Salta pero sus últimos discos los
grabó en Oslo. Ni folclorista ni fanguero, y ambos a la vez, su música ahora
tiene un sonido universal.
Parafraseando a Malena, podría decirse que
Saluzzi toca el fueye como ninguno. Sabe de tango y de folclore, pero no podría
clasificárselo como un tanguero ni como un folclorista a secas. También sabe de
muchas otras músicas. De todo lo cual nacen un sonido y un estilo personal,
saluzziano, si se quiere.
Timoteo Saluzzi, (a) Dino, nació bastante más
allá de la General Paz: en Campo Santo, Salta,.y en 1935, para más datos.
Profeta de otras tierras; Saluzzi integra el selecto elenco del sello
discográfico ECM (Editions of Contemporary Music) del legendario productor
Manfred Eicher. Acaba de publicar Cité de la musique, un CD donde toca con su
hijo, el guitarrista porteño José María Saluzzi, y el gran contrabajista
norteamericano Marc Johnson, socio que supo ser del genial Bill Evans y de una
larga lista de capos. Pero Saluzzi ya está en otra, pensando en la próxima
edición del disco para bandoneón y cuarteto de cuerdas que acaba de grabar en
Oslo. Antes de salir de gira por Canadá.y Europa, Saluzzi se reunió con
Clarín. Para hablar de música, claro.
La música no se hace con política ni con
economía ni con padrinos. Lo primero que cae en una sociedad decadente es el
arte. Y cuando cae el arte, cae la sensibilidad. Y entonces, buenas noches, a
salvarse. Yo no voy a defender la sociedad actual. pero tengo esperanzas. La mediocridad
actual no es culpa del arte ni de los artistas. A mí me ha ido muy bien...
Afuera...
Es cierto. Tengo la suerte de estar en un
sello como ECM, y eso demuestra que lo despreciado por algunos vale mucho para
otros. Y, por ejemplo, resulta un buen negocio para este sello, que lo vende y
difunde en todo el mundo,
¿Cómo preparas las grabaciones?
En general, me
junto , con músicos que tienen facilidad para tocar. Entonces, yo llevo las partituras y avanti, sale. En el
caso de un cuarteto de cuerdas es distinto. Los músicos de cámara tienen un
tiempo diferente: la música escrita no tiene vida si no se la trabaja para
sacar lo que hay más allá del papel. Eso lleva tiempo. Y este disco lo hicimos
con una semana de ensayos y tres días de grabación. Son piezas sueltas, sin
nombre, todavía. Por ahí les pongo Mi amor, te amo, Para ti o Maribel, que
venden más, ¿no?
¿Cómo nació Cité de la musique?
Una noche estábamos tocando en el Festival
de Arte de Hong Kong, a fines del año pasado, y Eicher me dice: Esta música es
para que la toques con Marc Johnson. Eicher tiene la rara virtud de percibir la
intención musical y encontrar quien la puede llevar a cabo de la mejor
manera. Me hace recordar a los grandes directores de cine, que saben elegir el
mejor actor para cada personaje del libro. ¿Cuántas cosas fracasaron porque no
estuvieron en las manos justas? Y la verdad es que Marc Johnson es increíble,
como músico y cómo tipo. Primero ensayé con mi hijo en casa, y luego nos
encontramos con Marc en Oslo. Llevé la música escrita y trabajamos dos días
antes de grabar.
¿Cambiaste mucho el material que habías preparado acá?
Siempre cambio. Aun en las grabaciones con
el cuarteto de cuerdas cambié muchas cosas. En lo artístico hay una fuerza
motora que se llama inseguridad. Uno está convencido de que mañana lo podrá
hacer mejor. Y eso ayuda.
¿Te parece éste un período próspero en la música
argentina?
No. No es un período próspero,
lamentablemente. Pero hay músicos muy talentosos. Y que han estudiado, porque
con el talento solo no alcanza. Quizás en esta época no hay Piazzollas en el
tango ni Waldos de los Ríos en el folclore. Aquí muchos trataron de destruir a
Piazzolla. Pero hoy todos los tangueros tienen algo de él. Y, a varios años de
su muerte, no surgió aún algo diferente. Hay más ganas de ser famoso que de
servir a la música
Espectaculos.Clarin
Jueves 15 de Mayo de 1997
0764 - Living Colour - 1988 - Vivid
El cantante y el bajista del grupo neoyorquino
defienden las rafees del rock and roll
Living Colour: “En el origen, todo el rock es negro”
Living Colour es uno de los pocos grupos
de rock integrado por músicos negros que tiene éxito masivo y goza del apoyo de la industria
discográfica. Aprovechando su lugar de privilegio, el cuarteto norteamericano impulsó la
Black Rock Coalition, una agrupación de artistas que defiende el rock
interpretado por negros. Con la convicción de que el rock es una música negra
desde sus raíces, pero convencidos de que ya
no sirve distinguir entre rock negro y rock blanco, el grupo liderado por el
guitarrista Vernon Reid pasó por Buenos Aires para tocar en Obras.
“Básicamente, la Black Rock Coalition es una
coalición de músicos y otros artistas que se juntan para entender qué es lo que
sucede con la industria de la música, y cada uno de sus miembros trata de
entender por qué está defendiendo y luchando”, explica el cantante de Living
Colour, Corey Glover. La agrupación —fundada por el guitarrista del grupo
Vernon Reid— busca defender los derechos de los músicos negros para hacer rock,
es decir otro género que no sea rap, blues o rhythm & blues, y lo hace a
través de boletines, publicidad y difusión en los medios. El bajista Doug Wim-
bish —que reemplazó desde el año pasado a Muzz Skillings— agrega que “la
coalición la integran grupos y solistas de distintos géneros, hombres y
mujeres, que cantan en inglés y también en español, porque hay muchos músicos
de origen latino. No es necesario copiar un estilo o hacer rap para demostrar
que se es negro”.
Según los Living Colour, el problema básico con el
que deben enfrentarse las bandas negras de rock en los Estados Unidos es la
ignorancia e indiferencia de las compañías discográficas, y por eso creen
necesario agruparse y luchar por el espacio del rock negro dentro del mercado.
Pero aclaran que “nos une las ganas de hacer música, no la voluntad de llenar
estadios y entrar en la MTV”. En verdad, el cuarteto de Nueva York está
convencido de
Living Colour estuvo en Buenos Aires para
presentarse durante el último fin de semana en el estadio de Obras Sanitarias.
Allí
LA MAGA,
Miércoles 1ro de diciembre de 1993
FERNANDO SANCHEZ
Living Colour. Estadio Obras.
Viernes 26, sábado 27 y domingo 28 de noviembre.
Tres excelentes músicos negros y un increíble cantante
también negro haciendo funk, rock and roll, hardeore y rap, todo al mismo
tiempo, con toda la tecnología —samplers y guitarras sintetizadas— y las
licencias para mezclar géneros que ofrecen los 90, y con letras contestatarias
que tienen claros mensajes antirracistas, dan por resultado a Living Colour.
Con mucha más furia y deformidad que en sus grabaciones, con un sonido pobre
y una escena sobria pero efectiva, el cuarteto de Nueva York presentó su último
álbum, Stain, repasó sus discos anteriores y dejó claro que cuando cuatro músicos
negros se dedican a hacer rock, son casi perfectos. Agresivos en la actitud
pero amables en los intervalos, descontrolados pero cuidadosos, los Living
Colour justificaron ampliamente lo que la prensa norteamericana dijo de ellos
hace un par de años: son una banda espectacular.
0763 - Borges & Piazzolla - 1997 - El Hombre De La Esquina Rosada
Del Baldio y La Daga
Un excepcional trabajo poético
musical reúne al mayor músico rioplatense del último medio siglo y a un poeta
de extraordinario vuelo, con excelencias de edición e interpretación
Jorge Luis Borges
odiaba el tango-canción tal cual se difundió por el mundo en la voz de Carlos
Gardel y sus sucesores. Decía que habían amariconado el tango, lo habían
traicionado en su esencia al sacarlo del bajo y su mitología de cuchillos,
malevos y coraje. Tal vez soñó -él mismo lo dice en alguno de sus bellísimos
poemas- no ser un intelectual ultramontano y minusválido, y se soñaba como
guapo de avería, puñal al cinto y paso acompadrado.
Por eso, la mayoría
de los poemas de este refinadísimo e hiperintelectualizado porteño
reconstruye el mundo mitológico de los orígenes, el tiempo de la ruda niñez
del tango, el reino perdido del coraje. A algunos de estos textos épicos,
nostálgicos, admirables, se animó a ponerles música el más grande creador de
la música rioplatense en muchos decenios: Astor Piazzolla. Y el resultado es
curiosamente brillante. Por supuesto, un poeta excepcional y un músico
incomparable tienen que producir obras hermosas; pero lo curioso reside en que
el extremo refinamiento del lenguaje, tanto sonoro como literario, pueda
ilustrar el universo áspero y brutal que pretende reflejar de forma tan
elocuente.
La comunión entre
Borges y Piazzolla es tan honda como irrepetible; y ello fue apreciado por un
grupo de artistas sensibles que han sabido crear, en base a la misma, uno de
los discos más atractivos que puedan encontrarse actualmente en el mercado. El
bandoneonista y arreglador Daniel Binelli, ex integrante de la orquesta de
Osvaldo Pugliese y miembro del famoso Sexteto Nueva York, del propio
Piazzolla; el cantante Mario Rubén González, conocido como Jairo, y el actor
Lito Cruz registraron 12 temas de Astor Piazzolla, algunos de ellos puramente
instrumentales y otros con textos de Borges. El resultado.es exquisito, uno de
esos discos inolvidables que gravitan en la vida de un amante de la música. La
sapiencia del compositor, su increíble intuición para crear climas, el vuelo
poético de su melodismo, no sólo sostienen a altísimo nivel los temas
instrumentales, sino que enmarcan de manera incomparable los duros y emotivos
poemas de Borges. En los mejores momentos {Jacinto Chiclana A don Nicanor
Paredes, Oda íntima a Buenos Aires) la simbiosis es tan honda y absoluta como
en los grandes lieder de los compositores mayores del canto de cámara.
Los arreglos de
Daniel Binelli tienen un sostenido buen gusto, y acompañan los temas recitados
con discreta pero poderosa elocuencia. En algunas piezas, como la bellísima Milonga
nocturna, la versión está a la altura del compositor, lo que es mucho decir.
El cantante Jairo, no específicamente tanguero, canta admirablemente los
textos, con una hermosa voz de tenor y afinación impecable, cosa muy meritoria
en el extremado cromatismo de las melodías de Piazzolla. Lito Cruz recita con
expresividad y ajaste de estilo, aunque en algún caso (como en el celebérrimo
poema El tango) resulta algo débil desde el punto de vista dramático. Pero en
términos absolutos este disco es memorable y puede apostarse a que será un
clásico. Muy pocas veces se ha logrado evocar de forma tan poderosa y bella ese
mundo perdido del baldío y de la daga que fascinaba al gran poeta ciego de la
Buenos Aires que ya no existe.
Domingo 27 de Abril de 1997
El Observador (Uruguay)
0762 - Roberto Yanes - 1992 - Para Empezar El Año
ROBERTO
YANES CANTA. ACTUA. TOCA EL PIANO Y SIGUE SIENDO FIGURA INDISCUTIBLE DE LA
CANCION ROMANTICA
Apenas un rato antes de salir al ruedo,
tomando un trago en una mesita como las que ocupará el respetable público,
Roberto Yanés conversa con la tranquilidad de quien se apresta a hacer lo que
mejor sabe: actuar. Son años, ni más ni menos que cuatro décadas de ocupar escenarios
de aquí, allá y todas partes.
Yanés prefiere no mirar atrás. “No soy un
nostálgico. Nostálgico, según enseña la etimología, es el que sufre por el
pasado. Yo, en todo caso, soy un nostálgico del presente. Siento presentalgia, porque hoy hay ciertas cosas
que no me gustan. Por ejemplo, la televisión, que, salvo algunas excepciones en
el cable, no da espacio a la buena música. Por supuesto, lo mío no creo que sea
para los chicos de Tinelli. No sé, quizá sea muy exigente, pero sucede que no
por nada estudie música durante tanto tiempo en el Conservatorio.”
Cuando hace ya rato que es una figura indiscutible
de la mejor tradición romántica, Yanés entiende que “en estos momentos no hay
demasiados lugares aptos para mi música. Soy un cantante que se acompaña con
el piano o un pianista que canta, y eso sólo exige un espacio vital y musical
donde pueda transmitir mi mensaje sin ruidos ni multitudes. En un estadio yo estaría
de más”.
Sin embargo, Yanés apunta a una minoría. "No
me asusta la elite ni el pueblo-pueblo. Lo mío no es de elite. Puedo ser feliz
cantando en el Parque Chacabuco para la gente joven, y por eso lo hago. Por
otra parte, nunca me interesó estar de moda. Yo digo que las modas mudan, pero los modos perduran.
Las modas duran poco, y no tienen consistencia. Quizá sean un fenómeno más
económico que artístico. Eso, los sellos discográficos lo saben bien...”.
Nacido en Córdoba
hace 65 abriles, y vecino de San Isidro desde hace 28, Yanés es fiel a su
vínculo matrimonial de 32 años con su esposa Elsa y a su alianza musical cón
Frank Sinatra, Tony Bennett, el jazz y otros metejones por el estilo. “Amo
también a Oscar Peterson, Bill Evans, Ella Fitzgérald y Saráh Vaughan. De aquí,
al Mono Villegas, Jorge Navarro y Baby López Ftirst, entre tantos buenos
músicos. Y a Mercedes Sosa, el color de voz más lindo que salió de la
Argentina.”
Admite que no es fácil eso de
“acompañarme como si el pianista fuera uno y el cantante otro”. Confiesa que
en ese terreno su verdadero modelo fue el brasileño Dick Famey, que también
cantaba acompañándose al piano. De sus colegas de la canción romántica,
destaca a Bola de Nieva, Antonio Prieto, Tito Rodríguez, Lucho Gatica y
Armando Manzanero.
Canta muy bien. Tiene mucho talento y un estilo totalmente
personal. Además nosotros, los cantantes románticos, tendríamos que prenderle
una vela. De agradecimiento. Hizo renacer el género.
Cómo no. Una vez en la televisión de Puerto Rico se
equivocaron de play-back, y me pasaron la grabación de una... soprano. Tuve
que hacer la mímica hasta que por fin fueron a un corte.
CLARIN ESPECTACULOS
Martes 20 de abril de 1997
0761 - Ara Tokatlian & Enrique Villegas - 1976 - Ilusion & In Memorian
Ara Tokatlian
‘Yo no soy un monstruo'
Fue compañero de Gustavo Santaolalla en Arco Iris, banda fundacional del rock argentino, hasta que se separaron por diferencia de disciplinas
Arco Iris tiene 27 años de historia como grupo
y como comunidad. Y en el medio de esos años, una pelea antològica con Gustavo
Santáolaila. El dice que ustedes, Dana y vos, lo persiguieron cuando decidió
abrirse del proyecto. Me gustaría conocer tu versión,
No sé por qué se le dio
un carácter dramático a este tema. Cuando Arco Iris empezó, todos estuvimos de
acuerdo con el planteo. Tanto con la disciplina como con las reglas. Por eso se
burlaron de nosotros. Y él estuvo seis años en el grupo.
Pero después, ¿ustedes lo persiguieron?
Eso es simple paranoia de quien lo dice. Jamás perseguimos a nadie. Lo único
que hicimos fue tratar de recomponer una relación. Pero si él cree que lo
perseguimos, puede que para él sea así, Yo creo en los platos voladores pero
conozco gente que dice haber vivido encuentros con extraterrestres y esos
encuentros sólo ocurrieron en sus mentes.
En su historia musical, Arco Iris cuenta con
temas fundacionales del rock nacional como Blues de Dana y Mañanas campestres.
Después, Ara y Dana Tokatlian se fueron a vivir a los Estados Unidos. Y allí su
estilo se encaminó a la fusión, cosa.que ya había insinuado en sus primeros
años. Peace Pipes, In Memoriam y Peace will save the rainbow, sus últimos
discos, muestran lo que Ara llama la búsqueda del folk. Ahí se conjuga el jazz,
la música andina, el rock y la música clásica. La banda toca en universidades,
teatros y festivales de la costa este y, una vez por año, regresa
a la Argentina para mostrar su material. Eso fue lo que hizo el viernes
pasado en el Centro Cultural San Martín y lo que repetirá este viernes.
Ara cuenta que, en los primeros tiempos,
"se burlaban de nosotros. Nos llamaban las amas de casa del rock porque
limpiábamos nuestro hogar. En esa época, un grupo de rock que vivía en
comunidad y que tenía como guía a una mujer era visto como raro. Hoy nadie se
asombra de los seguidores del Sai Baba. Eramos súper democráticos. Por supuesto,
si alguien no cumplía con sus tareas, el orden se venía abajo. Entonces, se lo
sentaba y se le preguntaba qué le estaba pasando. A mí me cuestionaron varias
veces. Esto no es raro. En tal caso es inusual”.
Antes hablabas de una
disciplina.
Todos tienen una disciplina. Sólo que la mía puede ser distinta.
es ¿Cuál es la tuya?
0 No como carne, rezo todas las noches,
medito. Creo en la ecología, creo en la reencarnación, no uso malas palabras.
Me levanto muy temprano, tengo conciencia de qué hacer con mi energía sexual.
Nosotros aceptamos a cualquiera que se nos quiera
unir y también la decisión de los que se quieren ir. No somos nazis' ¿No
tienen nada que criticarse?
Cometimos errores. Cuando comenzamos
teníamos 18 años. Si pudiera volver al pasado, seguro que viviría algunas cosas
de otra manera. Sería más paciente. Me hubiera callado algunas cosas, hubiese
dicho otras.
¿Por qué tan estrictos a los 18 años?
Por
qué estrictos? ¿Qué es ser estricto? ¿Vos matarías a alguien? ¿Por qué sos tan
estricto? Matate a uno o a dos.
La pregunta era cómo se puede ser tan
estricto a una edad en la que es difícil cumplir con las premisas.
Es que nosotros estábamos en una búsqueda.
Habíamos dejado de ir a la iglesia y no nos interesaba la política, lo social,
la escuela. Y un día encontramos a la persona que nos dio las respuestas,
Dana.
¿Qué hacen con un músico de la banda que
no comulga con su estilo de vida?
Es el caso de muchos músicos que tocan con
nosotros como Chester Thompson, Alex Acuña, Billy Childs. Yo no soy un
monstruo.
Vos decías que tuviste que aceptar tus actividades
incorrectas. ¿Dana también?
No. No se le habla a Dana de igual a igual. Como
ningún discípulo le habla a ningún maestro de igual a igual. Ella tiene faltas.
Se puede equivocar, se puede poner nerviosa. Pero por amor, por todo lo que
ella nos dio, la respetamos. Como un hijo respeta a su madre.
Clarin-Espectaculos
Jueves 10 de Abril de 1997
Javier Rombouts
